Блог о кино

Высшей награды мексиканский режиссер удостоился второй раз подряд - в прошлом году лучшей была признана его работа над лентой "Бердмэн"




Алехандро Гонсалес Иньярриту © Chris Pizzello/Invision/AP


ЛОС-АНДЖЕЛЕС, 7 февраля. /ТАСС/. Гильдия режиссеров США признала Алехандро Гонсалеса Иньярриту лучшим кинорежиссером 2015 года за его фильм "Выживший" (The Revenant). Об этом говорится в опубликованном сегодня на сайте организации сообщении.

Как отмечается, высшей награды мексиканский режиссер удостоился второй раз подряд - в прошлом году лучшей была признана его работа над лентой "Бердмэн" (Birdman).
Награду за лучший документальный фильм получил Мэтт Хейнеман за "Землю картелей" (Cartel Land). Лучшим дебютантом признан Алекс Гарленд с фильмом "Из машины" (Ex Machina).
Лента Алехандро Гонсалеса Иньярриту "Выживший" частично основана на приключениях на Диком Западе колониста Хью Гласса, которого воплотил на экране Леонардо ДиКаприо. Она является одним из фаворитов предстоящей гонки за "Оскар" - у нее 12 номинаций.




Источник: Развернуть

Гордость и предубеждение и зомби
реж. Бёрр Стирс

Когда в роман Джейн Остин вторглись зомби, а в «Анну Каренину — андроиды, стало очевидно, что классику атакует новая постмодернистская шутка — мэшап. Казалось, что теперь романы XIX века будут публиковать только так, но авторы вовремя остановились. «Гордость и предубеждение и зомби», конечно, нужно было экранизировать — позеленевшие лица и угловатые походки знакомы нам не по романам, а по хоррор-классике Карпентера или Ромеро. Танцы на балах, разбавленные драками с мечами и битами, дождливые пейзажи Туманного Альбиона и Лили Джеймс, блистающая в сериале BBC «Война и мир», — это, конечно, не какой-то революционный взгляд на бессмертную Джейн Остин, но безобидное и славное развлечение на вечер. Ничего страшного, если возвышенную любовь решили разбавить сгнившими леди, пожирающими собственных детей.
Премьера 11 февраля


Лазурный берег
реж. Анджелина Джоли

Брак на грани распада, хотя муж и жена об этом пока не догадываются (или не хотят этого замечать). Анджелина Джоли продолжает снимать кино, так и не угождая зрителям и критикам — «Лазурный Берег» критикуют за прямолинейность, излишнюю красивость и беспомощный сюжет, хотя в лучшие свои моменты он метит в сторону супружеских фильмов Кассаветиса, а в худшие — «Бассейна» Жака Деми. Танцовщица Ванесса и ее муж, писатель Рональд, арендуют комнату с видом на Лазурном Берегу. На них падают золотые лучи, в номере для красивой пары молчит дорогая мебель, супруга глотает таблетки, муж беспокойно спит, думая о будущей книге. Само собой, в их отношениях много непроговоренного и лживого, и миф об идеальной паре вдребезги разбивается о валуны побережья. Мы, кажется, заранее знаем все, что может случиться в «Лазурном Берегу», который топчется на общих местах, но отрицать невозможно: даже если Брэд Питт и Анджелина Джоли будут два часа гладить кошку, на это захочется купить билет. Так работает и всегда работала магия главной голливудской пары.
Премьера 11 февраля



В центре внимания
реж. Том МакКарти

Новый главный редактор в бостонской газете обращает внимание на новость об отстраненном от дел священнике местной церкви, обвиняемом в развращении малолетних. За дело берется команда журналистов Spotlight, четверо участников которой под постоянным прессингом редакторов и политиков пытаются понять, сколько таких случаев произошло в Бостоне за последние несколько лет и почему они еще не стали международным скандалом. Фильм Тома Маккарти о силе четвертой власти — один из самых интересных и мощных, если говорить о том, как в кино изображаются журналистские расследования. «В центре внимания» — это от начала и до конца реальная история, разыгранная отличной актерской группой в руках умелых сценаристов. Смотреть этот фильм стоит не только потому, что он один из самых напряженных детективов прошлого года, но и чтобы лишний раз удостовериться: неравнодушие и преданность своему делу могут изменить ход событий даже в самых высокопоставленных кругах, даже много лет спустя.
Премьера 11 февраля

Образцовый самец 2
реж. Бен Стиллер

Первая часть «Образцового самца» запомнилась всем Беном Стиллером на подиуме в шубе, Оуэном Уилсоном с ангельскими крыльями и фирменным модельным взглядом «голубая сталь». Вторая часть снова находится за гранью разумного и шутит над всем, во что мода и красота превратились за последние десять лет — достается и дакфейсам, и селфи, и, конечно же, Джастину Биберу. На этот раз Дерек и Хансель мотаются по всему миру, чтобы спасти мир высокой моды от серийных убийц, которые охотятся за самыми красивыми людьми планеты. «Образцовый самец» очень похож на «Остина Пауэрса» по количеству идиотизма в минуту времени, и это, наверное, даже к лучшему. Беззастенчиво пустое, громкое и неприлично пошлое кино о моделях с секретным заданием хорошо хотя бы тем, что наконец дало Бенедикту Камбербэтчу дурацкую комедийную роль после десятков серьезных — безбрового андрогина с ногтями черного цвета.
Премьера 18 февраля

Трамбо
реж. Джей Роуч

Это не самая популярная сейчас, но известная история: после начала холодной войны ряды голливудских сценаристов начали зачищать на предмет коммунистической угрозы. Большинство пишущих и думающих людей Голливуда того времени дружили с коммунистами или разделяли коммунистические идеалы — и за это попадали в залы суда, а позже в черные списки. История Джона Трамбо (сценариста «Спартака»), замечательного сценариста с острым языком, — одна из сотен историй о том, как американское правительство заставляло замолчать и перестать работать своих самых талантливых граждан. Брайан Крэнстон замечательно играет сомневающегося, мыслящего и критичного человека, который после судебного процесса над ним вынужден прятаться за коллегами и псевдонимами, чтобы продолжить работу. Премия «Оскар», сплетни, забвение, предательство и невозможность молчать — в «Трамбо» рассказывается об одном из людей, без которых не было бы классики Голливуда.
Премьера 18 февраля

Три девятки
реж. Джон Хиллкоут

Австралиец Джон Хиллкоут начал карьеру с съемки клипов для группы INXS, но попал в поле зрения большинства зрителей после триллера «Предложение». С тех пор он снял устрашающую «Дорогу» по Кормаку Маккарти и «Самый пьяный округ в мире», наверное, один из лучших фильмов о времени сухого закона в Америке. Его новый фильм — экшен об объединении банды и продажных полицейских для того, чтобы совершить самое большое ограбление в городе. В программе — русская мафия, Кейси Аффлек, который может справиться с каждым головорезом голыми руками, и Кейт Уинслет, смотреть на которую в экшен-фильме — одно удовольствие.
Премьера 25 февраля

Мистер Холмс
реж. Билл Кондон

Иэн Маккеллан в роли пожилого Шерлока Холмса — это стоило сделать: история о последнем деле знаменитого детектива получается в его исполнении неторопливой, убедительной, с особенной осанкой и темпом Конан-Дойла. Пожилой мистер Холмс живет вдалеке от шума, ухаживая за пасекой и общаясь с соседским ребенком. У него начинается деменция, в борьбе с которой он хватается за воспоминания о последнем нераскрытом деле, и его преследует женщина, чья история беспокоит его, но не намекает ни на что конкретное. «Мистер Холмс» мог оказаться бессердечной спекуляцией над знаменитым детективом и его культом в Британии и по всему миру, но стал личным, несфабрикованным, замечательным фильмом о природе пытливого ума, старости, любопытстве и старых секретах, которые тревожат, пока не испустишь дух.
Премьера 25 февраля

Анархисты
реж. Эли Важеман

Обычный сюжет для политического фильма — полиция внедряет спецагента в ячейку оппозиции. Место действия — Париж, последний год XIX века, слышится грохот грядущих революций и больших перемен. Сын жандарма Жан берется за задание — проникнуть на сборище анархистов, расположить их к себе и как можно скорее завоевать их доверие. Само собой, чем чаще он будет составлять рапорты, тем больше слова, зароненные его новым окружением, будут подтверждаться. Свобода, равенство и братство давно уступили дорогу капитализму, и взрывчатка в портфеле кажется единственным выходом. Смотреть «Анархистов» стоит в первую очередь ради актерской работы Тахара Рахима и замечательной Экзаркопулос, которую мы не видели на большом экране со времен ее запоминающегося дебюта в «Жизни Адель».
Премьера 25 февраля

Помнить
реж. Атом Эгоян

Страшный, западающий в душу и держащий в напряжении до последнего, новый фильм Атома Эгояна — о личной и исторической памяти. Именно на эту тему канадский режиссер снял лучшие фильмы в своей фильмографии — «Календарь», «Арарат» и, конечно, «Славное будущее». Главный герой его нового фильма Зев — обитатель еврейского дома престарелых, похоронил жену и исчезает с пистолетом и несколькими адресами, чтобы найти человека, убившего его семью и семью его друга во Вторую мировую войну. Среди адресов — пять человек с именем нациста, укрывшегося от преследования в Штатах. Все усложняется тем, что у героя деменция — но, даже несмотря на нее, он помнит боль, страх и унижения в концлагере, как и голос своего палача. Атом Эгоян в каждом фильме говорит о неотделимости личной ответственности от коллективной. Кристофер Пламмер рассказывает через своего героя о последних свидетелях холокоста, чья память не может быть безупречной.

Источник: Развернуть

В дискуссии принимают участие Олег Березин, генеральный директор компании «Невафильм»; Ксения Леонтьева, ведущий аналитик отдела «Невафильм Research»; Мария Мухина, главный редактор «Бюллетеня кинопрокатчика»; Алексей Бырдин, генеральный директор ассоциации «Интернет-видео». Модератор — Даниил Дондурей.



ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. У меня часто возникает впечатление, что в огромном, сложнейшем, плохо понимаемом пространстве российской киноиндустрии каждый видит лишь уголок своей профессиональной комнатки и никогда не думает о других пространствах функционирования кино. И прокатчики тоже, естественно, не очень переживают по поводу того, что происходит, например, с кинематографическими кадрами, с природой инвестиций, перспективами артмейнстрима, эволюцией телесериалов, гонорарами звезд. Видим какой-то кусочек кинематографа, не предполагая, что составляющих этой системы десять-пятнадцать, если не больше. Я имею в виду не только производственные мощности, количество кинозалов, участие государства на рынке, отношения с другими кинопродуктами, с картинами для фестивалей, с национальными блокбастерами и так далее. Как все эти элементы связаны, в каких пропорциях взаимодействуют – по деньгам, по структурам, по логистике. По всему. Это ведь еще и разные виды проката.
К сожалению, у нас нет анализа дистрибуции, кинопоказа. Какие там идут процессы? Нет серьезного разбора экономики продвижения: в каком она сейчас положении в России? Никто не думает о том, что происходит с девяносто двумя российскими кинофестивалями, какие там мутации, рейтинги. Никто не считывает значение критики, она становится элементом пиара и каким-то цехом, обслуживающим прокатчиков.
Я тут взял из прошлогоднего номера «Искусства кино» об итогах «Кинотавра» очень резкий текст Анны Гудковой: она говорит, что раньше молодые режиссеры не были такими трусливыми. Речь идет об авторах игровых картин короткого метра.
Киноиндустрия – это сложнейшая паутина из десятков, даже сотен элементов. Вы вот занимаетесь прокатом, а где-то отдельно в министерстве у Мединского сидят люди, которые распределяют деньги. И отдельно есть замечательный Александр Миндадзе, который не знает, как вернуть деньги своему инвестору, тот ведь ждал, что «Милый Ханс, дорогой Петр» непременно получит призы на международных фестивалях. Все это разные элементы плохо взаимодействующей системы, где, скажем, механизм возврата денег есть следствие политической системы.
Я вчера семь раз комментировал идею согласия прокатных фирм предоставить 20 процентов для показа отечественных лент. Всем им рассказывал, что один из главных элементов российской культуры – это хорошая отчетность перед инвестором. Именно в связи с этим у нас безмерно непрозрачная культура. Никто не знает, ни сколько мы произвели кирпичей, построили домов, ни сколько на самом деле продали билетов на российские картины.
Итак, что изменится, если вместо 18 процентов сборов на российском кино будет целых 20? Все опытные люди прекрасно осведомлены о том, что в советское время в кинотеатрах ежедневно составлялись «паспортички» (сейчас они электронные). Ставили утром в 9.30, скажем, «Короля Лира» Григория Козинцева, классика, народного артиста, лауреата Сталинских и Ленинской премий, и затем весь день шло американское «Золото Маккенны», а отчитывались, конечно, одним «Королем Лиром». Это и сейчас можно делать. Российское сознание невероятно креативно и с этой проблемой сумеет справиться. При том, что Улюкаев оказался западником и не разрешил вводить НДС на зарубежное кино.
Как вы оцениваете российскую индустриальную ситуацию? Что произошло в кинопоказе в последние годы? Как вы рассказали бы об этом кинорежиссеру? Вадиму Абдрашитову или Андрею Звягинцеву? Они в этом, наверное, не разбираются. Теперь вот еще и Год кино на­двигается, будет много материалов, статистики, интервью… Какие в вашей сфере произошли мутации?
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. За последние лет двадцать, наверное, произошел разрыв шаблона. Он как раз связан со всеми теми элементами кинематографии, о которых вы говорите. Понятно, что появление Интернета, блогеров, генераторов мнений и прочего меняет работу критиков и восприятие их текстов. Раньше ты открывал газету «Правда», читал рецензию и понимал, идти на фильм или не идти. Сейчас не поймешь: одни одно говорят, другие – прямо противоположное, третьи – еще что-то. И это, естественно, должно менять работу критика. Теперь он в той функции, которая была двадцать лет назад, уже не работает. Слишком много мнений. Это касается и образования, и системы дистрибуции. В последнее время мы очень много говорим о том, что существуют миры, которые вообще друг с другом слабо пересекаются: кинотеатры и онлайн. Они живут в разных экономических ситуациях, хотя вроде бы говорим об одном и том же фильме, который должен либо так, либо иначе попадать к зрителю. Проблема в том, что столько всего изменилось – не только технологически, ментально, но и в обществе, что вся эта система развалилась на кусочки, которые не дружат между собой. Многие режиссеры живут старыми представлениями, не воспринимают того, что мир очень быстро меняется. Все уверены, например, что видео – это пиратство. Нет понимания того, что есть легальный рынок с невероятными объемами, с колоссальной потенциальной долей на нем российского кино.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Так вообще мало кто думает. Только профессионалы этой сферы.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Прежние модели зарабатывания денег, которые были актуальны еще двадцать лет назад: вы сделали фильм, выпустили в прокат, собрали кассу, окупили все затраты и так далее, – сегодня не работают. Модели теперь абсолютно другие. Какие фильмы сегодня самые успешные? Не события – вроде того же пресловутого «Аватара», – а в так называемом среднем диапазоне? Те, что сняты «занедорого». В смысле рентабельности, если мы говорим про некий бизнес. Вложить в кино, снять и заработать деньги… Речь о дешевизне производства, но не результата. Просто мозгов надо больше вкладывать, а не говорить: вот, мы не можем конкурировать с Западом, потому что у нас нет таких спецэффектов.
КСЕНИЯ ЛЕОНТЬЕВА. У меня есть очень красивый график: средняя наработка на копию регионального и обычного российского фильма.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. У нас есть куча штампов. Не можем конкурировать с Западом, потому что нет таких технологий, спецэффектов, многого другого. Хотя при этом мы, в принципе, можем снимать прекрасные фильмы, из всех спецэффектов используя только титры на игровом фоне. С одной стороны, все говорят, что важна история, а с другой – нет денег на ее воплощение. Это проблема тех же технологий – демократизация средств производства. Снять кино может любой. Сегодня нет фильтра, который мог бы отсеять и какого-то суперталантливого человека, но, с другой стороны, всегда задавал бы планку.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. У нас киношкол несметное количество…
МАРИЯ МУХИНА. Но при этом есть проблема с образованием, с взаимо­связью между обучением и производством. Сейчас практически всему в нашем быстро меняющемся мире учиться приходится на практике. Я наблюдаю каких-то людей из отрасли, которые, чтобы постичь сегмент кинопроизводства, должны войти в него. И только тогда – изнутри – ты поймешь проблемы. Я как человек, который пытается писать об этих сферах, обладаю только теоретическими знаниями. До каждой детали приходится докапываться исключительно через какие-то кулуарные разговоры. И все равно не имею о производстве в целом полного представления.
Мне кажется, у нас сейчас отрасль очень прецедентная. Все ждут успешных показательных примеров. Даже наблюдая питчинги в Фонде кино или где-то еще, мы регулярно это видим. Скажем, вышла «Легенда № 17», показала успешные результаты, и многие начинают говорить о том, что «теперь у нас работает спортивное кино». В этом году все ссылались на «Призрак» – теперь у нас есть детское кино. Вышла «Пиковая дама» – теперь можно снимать фильмы ужасов. А вопрос не в том, что у нас вдруг зритель захотел смотреть такое кино. Вопрос в содержании и качестве продукта, в маркетинге. Стараемся опираться на этот опыт, а это, видимо, свидетельствует как раз о нехватке практического образования.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Рынок, который построен на повторениях, показал, что можно под Новый год выходить в прокат и собирать деньги. И теперь говорят: давайте под Новый год у нас будет просто битва. А летом вообще ничего нет. Почему летом ничего не выходит? Пройдет года два, начнут важные картины летом выходить, когда кто-нибудь первым заработает в это время много денег. Это шаблоны, стереотипы.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Основной заработок в последние годы для российской продукции – первые две недели января. Почему не в июле?
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Кто двигает индустрию и нас всех? Как раз те, кто эти шаблоны разрывает. Выходит продюсер Бекмамбетов с фильмом Левана Габриадзе «Убрать из друзей», в котором абсолютно все сделано по-другому. Года через два пойдут его клоны. У нас единицы тех, кто готов угадать… единицы наших российских Кэмеронов. Казалось бы, нет поч­вы, невозможно что-то сделать, а они раз – и выстреливают. И «Сталинград» в свое время был такой «выстрелившей» историей.
МАРИЯ МУХИНА. И «Хардкор» сейчас в плане международных продаж.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Раньше, давным-давно, и после братьев Люмьер, и где-то в середине ХХ века, и далее средний ремесленник мог всю жизнь нормально прожить, реализуя свое ремесло. Новаторов у нас и тогда были единицы.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. А как частная собственность? Конкуренция, желание обыграть конкурента? Талант всюду нужен, даже в райкоме КПСС.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Когда мы говорим про Бекмамбетова, это человек, у которого, безусловно, есть талант. Или тот же Сарик Андреасян, несколько лет назад он вышел с недорогими комедиями…
МАРИЯ МУХИНА. У них есть талант маркетологов, которые понимают, что нужно вложить два миллиона, не больше, и производить именно комедии.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Подождите. Но у нас большая индустрия, мы производим 80 названий игрового кино…
КСЕНИЯ ЛЕОНТЬЕВА. В прошлом году вышло 110. В 2013-м было 77…
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Большая индустрия. Условно, 80–100 названий в год. У нас в телевизоре выходит примерно 450 названий продукции, связанной с кино, – от 3,5 до 4 тысяч часов в год. Это огромная индустрия. Может, меньше, чем французская, но сопоставимая с английской, немецкой, итальянской, испанской.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Что лежит в основе этих фильмов, придуманных так или иначе три-четыре года назад? С теми шаблонами, с теми представлениями о мире, которые были тогда. В нашей индустрии, не важно, в телевизионной или в кинотеатральной, таких визионеров, которые могут заглянуть за горизонт, угадать что-либо на три-четыре года вперед, единицы. И они «выстреливают». Ведь сегодня, задумывая фильм, который выйдет, условно говоря, в 2018 году, надо же понимать, куда идти с сегодняшними мыслями…
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Про то, что военная хунта захватила…
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Не знаю, кто угадает, задумает идею, реализует ее в 2018 году и «выстрелит», но он победит, условно говоря. Однако ж 99 процентов авторов и продюсеров, понятно, возьмут те идеи, которые есть на рынке сегодня, и будут их клонировать.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Анна Гудкова подробно говорит – а она ас по питчингам – о том, что кинематографисты совершенно не рискуют… Страшные слова про молодых режиссеров она произнесла: «Мне кажется, что у них никогда ничего не болит. Нигде. Мне кажется, у них нет профессии, деловых и личных отношений, детей, нет родителей. И родины у них тоже нет. Потому что иначе все это можно было бы как-то увидеть за строчками». Ужас. Она пишет о том, что не может угадать возраст сценаристов, их жизненный опыт, их желания, их страхи, их надежды: «Вместо этого за текстом я всегда вижу включенный голубой экран с уже сегодня идущим сериалом».
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Вот об этом же и речь. Получается: легкодоступность средств, чтобы снимать кино. Даже система государственного финансирования, в принципе, способствует этой легкодоступности. Сколько заявок приходит в тот же Фонд кино от людей, которые думают: а что, напишу-ка я заявку…
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Подождите. Я – от лица оппонентов. Но ведь цензуры особой нет уж такой, как в ситуации с Миндадзе…
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Так от этого еще сложнее.

МАРИЯ МУХИНА. Есть внутренняя цензура.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Когда цензура говорит, что нельзя, башка начинает думать: а что тогда можно? Как проскочить? А вот когда можно все… После V cъезда кинематографистов у многих начался сдвиг головы. Когда стало можно все, многие растерялись.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Это худший страх, чем работа при моем «любимом» Суслове, когда было однозначно: «и это нельзя, и то нельзя».
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Мне кажется, система запретов, как ни парадоксально, стимулирует художника эти запреты обходить и оригинально высказывать свои мысли. Парадокс.
МАРИЯ МУХИНА. Хочу добавить про внутреннюю цензуру. Мне кажется, здесь есть положительные и отрицательные стороны. Читаешь заявки, допустим, присланные в тот же Фонд кино, и видишь желание людей получить государственные деньги и соответственно как-то их заслужить. И вот эта внутренняя цензура предлагает заявки на тему Крыма или каких-то политических веяний, которые сегодня обозначены как актуальные.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Ты имеешь в виду заявку на фильм про папу Путина?
МАРИЯ МУХИНА. Чаще всего получаешь какие-то «залипухи», которые не гарантируют высокого качества. Но есть и плюс. На прокатные кинотеатры идет постоянное давление с точки зрения этой пресловутой «русской доли», о которой говорят уже на протяжении лет трех…
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Отличный эвфемизм – «доля» как «часть» и «О, несчастная русская доля».
МАРИЯ МУХИНА. Если бы не было этой программы партии – «нам нужно поднимать русскую долю», – то все равно она подспудно существует. И кинотеатр, формируя расписание, при двух равнозначных ситуациях, возможно, выберет российский проект. И дистрибьютор все равно подумает о том, что в пакет, наверное, все-таки нужно взять какой-то российский фильм, даже если у него аллергия на отечественное кино.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Это желание, условно говоря, быть толерантным и конъюнктурным.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Может быть, это связано с тем, что умное государство, действуя с одной стороны, и циничные продюсеры – с другой, допустили, чтобы государство было основным игроком на рынке инвестиций в эту сферу. Продюсеры могли сделать так, чтобы государство, как во многих странах, не имело бы 70 процентов по инвестициям, сколько оно имеет у нас, а 30 или хотя бы 50. Тогда развивались бы рынок, зрители и так далее. Сделать таким образом, чтобы такой доли Фонда кино и Минкульта не было. Тогда бы в голове не было этих заранее выращенных и довольно грубых желаний понравиться всем. Почему государство такой преобладающий игрок?
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Потому что эта система была выстроена еще нашим главным зрителем, Иосифом Виссарионовичем, и эта модель, в принципе, рабочая. И государству с его идеологической точки зрения выгодно ее сохранять. А игрокам рынка выгодно проявлять такую слабость, чтобы иметь этот мощный финансовый ресурс. Проще снимать кино при безвозвратной поддержке Минкульта…
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. …и деньги не возвращать, вместо того чтобы думать, как не разориться.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. …чем рисковать. Лучше снять за пять миллионов долларов при поддержке Минкульта и не рисковать своими штанами, чем снимать, условно говоря, за пятьсот тысяч, но взрывать весь рынок.
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Я абсолютный дилетант в киноиндустрии, могу говорить об очень ограниченной ее части – дистрибьюторском бизнесе. У нас сейчас основными ролевыми моделями, кумирами значительной части молодежи являются либо люди, которые себя реализуют в какой-то политической, государственной деятельности, либо – что тоже в последнее время очень распространено – двадцатипятилетние миллиардеры, создающие какие-то технологические стартапы. Я ни разу не слышал, чтобы молодые люди хотели стать работниками киноиндустрии, продюсерами, прокатчиками, даже кинорежиссерами. Лифта, который бы в рамках каких-то рыночных условий мог упорного человека поднять в этой индустрии куда-то, я лично не вижу.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Можно поспорить.
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Есть Валерия Гай Германика, есть наверняка еще какие-то точечные примеры, но они не на слуху.
КСЕНИЯ ЛЕОНТЬЕВА. Вообще, их немного, прямо скажем.
МАРИЯ МУХИНА. Это те, кто как раз работает по бизнес-модели. Можно сколько угодно критиковать тот же Enjoy Movies за качество, но они привлекают людей. Я знаю журналистов, которые закончили ВГИК, занимались кинокритикой, сейчас пришли к ним писать сценарии. Там берут на практику молодых специалистов, всегда нужны руки.
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Да, но, в принципе, это не тренд. Ходил такой анекдот о том, что каждый официант в Голливуде – будущий сценарист. Огромное количество людей, понимая, какая это потрясающая, богатейшая индустрия, генерируют какие-то идеи, пытаются в актерство пойти, в режиссуру, сценарии писать, что-то там делать. Рынок мотивирует молодых все это делать. Появляется внутренняя конкуренция на всех уровнях, и качество содеянного в среднем растет. У нас нет рынка. Про онлайн-дистрибуцию я могу это со всей ответственностью сказать. Рынка, в понимании того, как у нас существует ритейл с сотовыми телефонами или картошкой, в российской онлайн-дистрибуции нет. Мы, этим занимающиеся, как несколько тефтелек, плаваем в огромном океане с пиратами и пытаемся каким-то образом выжить.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. А кто должен был этот рынок создавать?
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Его пытались создавать. В эти «тефтельки» вбуханы десятки миллионов долларов, в каждую.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Нет, по-настоящему, эффективно? Кто должен инициировать эту политику? Государство? Кто должен тут быть действующим лицом?
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Онлайн-компании пытались оседлать естественно создающуюся технологическую революцию, когда у нас стало легко и без заторможенной картинки смотреть видео через Интернет. Что ты делаешь, когда у тебя появляется такая конъюнктура? Покупаешь права на кино, создаешь себе сайт, приложение под мобильные платформы и пытаешься на этом заработать либо по платной модели, либо по рекламной. Вот, собственно, как поднимались в свое время и Ivi, и TVzavr, и все сопричастные.
Но что произошло? Наряду с теми компаниями, которые так стартовали – это были стартапы в чистом виде, абсолютно высокорисковые истории, – параллельно на инфраструктуре, которую открыл «ВКонтакте», появились бесплатные видеохостинги, когда это стало не каким-то высокотехнологическим ноу-хау с огромным притоком инвестиций. Инвестиции, безусловно, были, но значительная их часть шла именно на права. Именно их – права – отказывались продавать, ставили заградительные минимальные гарантии, особенно мейджоры, потому что понимали, что это очень рискованная история, что может еще на пиратстве отразиться, повернуть в плохую сторону. А вот корпорации пиратства никого не спрашивали, просто где-то брали копии и прекрасно начинали продвигать сайты – «Смотрите онлайн бесплатно» или «Качайте торренты». На фоне того, что ряд психологических – в меньшей степени финансовых – барьеров склонял людей к выбору бесплатных вариантов просмотра, развитие легальной модели затормозилось на уровне 2010–2011 годов. А у нас первый антипиратский закон, хоть какой-то минимальный инструмент появился, по-моему, в 2014-м, а последняя его версия – в мае этого года.
Все эти годы люди жили в полном бесправии. Представьте себе, если мы в офлайн уйдем. Вот у вас кинотеатр, вы там продаете билеты, а рядом стоит такой же кинотеатр, куда люди ходят бесплатно. Контент идентичный.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. А кто, на ваш взгляд, должен был все это пробивать, менять, ускорять?
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Сказать, что у меня нет претензий к правообладателям, я не могу.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Претензии у вас к Верещагину, Максимову, Бекмамбетову, Роднянскому?.. А они ведь огромные и сильные киты. И вы могли бы, договорившись человек пять-десять, что-то все-таки сделать, ситуацию переломить.
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Но почему-то этого не произошло. Возможно, просто не хватило технических компетенций, понимания, как это делать…
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Ответ на этот вопрос простой: коррупция в чистом виде. Один очень известный в нынешние времена продюсер лет пять назад мне рассказывал, что, для того чтобы в каком-то регионе остановить неконтролируемый тираж на DVD, дело поднимают на уровень второго или третьего заместителя начальника управления ФСБ. Там решают, останавливать или нет. Знаменитая история: когда выходил «Ночной Дозор», если вы помните, пиратских дисков не было. И даже ходила такая байка: «А где этих пиратов найти?» Это была успешно контролируемая ситуация.
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Хочу обратить ваше внимание на то, что в топ-100 российских сайтов не входит ни один легальный онлайн-кинотеатр. А пиратских сайтов тут – восемь!
МАРИЯ МУХИНА. Сейчас «Кинопоиск» презентует свой агрегатор легального контента.
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Не уверен, что на посещаемости это отразится. «Кинопоиск» как был на каком-то своем определенном месте, так и останется.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Имеется в виду топ-100 вообще сайтов? Или сайтов с кино?
КСЕНИЯ ЛЕОНТЬЕВА. Первое место – «ВКонтакте».
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Да. 17-е место – Rutracker, 21-е – Kinogo и так далее. Вот, собственно, весь цвет пиратства здесь представлен. Далее. Топ-20 российских сайтов в категории «Кино». Три информационных: «Кинопоиск», IMDb и «Кинотеатр», два легальных онлайн-кинотеатра: Ivi и Megogo. И 15 пиратских ресурсов. Это мировой объем денег, которые зарабатывают пираты.
КСЕНИЯ ЛЕОНТЬЕВА. Или это упущенная выгода?
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Упущенную выгоду очень сложно подсчитать, мы это понимаем. Примерно 220–230 миллионов долларов пираты зарабатывают глобально на украденном контенте. Не так много, но надо понимать, что это доля русскоязычного пиратства.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Не маленькая в мировом пространстве.
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Да, тут есть чем «гордиться». Это легальный рынок цифрового медиаконтента, видео плюс музыка, онлайн-видеореклама, включая еще YouTube. Не все кино. И кажется, что на самом деле мы даже выигрываем по очкам. Но у них маржинальность 95 процентов.
КСЕНИЯ ЛЕОНТЬЕВА. У них нет расходов?
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Расходы есть на хостинг.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Но почему рынок сразу не захотел организоваться правильно, создать механизмы жизнеспособности? Почему начал ориентироваться на государство, химичить, воровать, быть непрозрачным? У нас, наверное, и в алюминиевой промышленности так же. Всюду. Но… куда смотрели наши мейджоры, вот эти пять-семь великих парней, которые в России заведуют кино…
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. А что они бы сделали?
КСЕНИЯ ЛЕОНТЬЕВА. У них есть РАПО.
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. У них действительно есть РАПО, Земченков[1].
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. В 1991 году, вы помните, Американская ассоциация кинокомпаний (МРАА) вводила эмбарго на прокат голливудского кино в кинотеатрах. Ну и ничего. Категория В тогда захлестнула весь рынок. И всё.
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Могу ошибаться, но, насколько я понимаю, РАПО достаточно плотно занимается камкордингом в кинотеатрах. Там постоянно ходят дяденьки с инфракрасными штуками. Что-то это дает. Они хотя бы периодически «расстреливают» прилюдно… Это тоже важный пласт работы. Но все что касается пиратства в онлайн – это просто история, к которой трудно подступиться.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. На самом деле, я думаю, ответ примерно там же, с чего мы сегодня начали. Это колоссальный оборот нелегальных денег. В свое время МРАА утверждала, что по объему денег кинопиратство равно обороту наркотиков. Только за это не расстреливают.
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Думаю, все-таки поменьше. Рынок наркотиков явно больше, чем 230 миллионов долларов. Проблема в том, что они ущерба наносят куда больше: чтобы заработать рубль, из рынка вынимают 50!
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. А с кинотеатральным прокатом что происходит?
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. В кинотеатральном сегменте тоже никаких правил нет. Действует то же самое правило сильного, причем не важно, это западный мейджор или российский. Выходит вот «Родина» Буслова, и «СТВ» такие условия ставит кинотеатрам, что они начинают рыдать. Говорят: мы готовы показать, но мы не можем отдать все сеансы под «Родину», готовы половину отдать.

ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Я не думаю, что у «Родины» огромный коммерческий ресурс.
МАРИЯ МУХИНА. Но огромные амбиции.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Все кинотеатры понимают, что скоро Новый год и выйдут очередные «Богатыри». Это и есть рынок сильного. Почему умирает вся независимая дистрибуция в кинотеатре? Потому что она слабая.
КСЕНИЯ ЛЕОНТЬЕВА. В этом году ушли примерно десять прокатчиков, которые выпускали фильмы в кинотеатрах.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Они же ничего не могут реально поставить на экраны. Проблема там начинается с того, что мы только что обсуждали. Количество фильмов растет, соответственно растет и общий информационный шум. Независимому кинематографисту, чтобы рассказать про свое кино, нужно вообще из штанов выпрыгнуть, чтобы о его работе только услышали.

МАРИЯ МУХИНА. Еще стоит сказать про закупочные цены. Я была в Торонто и попыталась мысленно купить пару фильмов. Играла в такую игру: ставила себя на место независимых байеров, которые пытаются привезти кино в Россию. Сейчас это сделать практически невозможно. Цены выросли, рубль упал. При этом договариваться там с продавцами очень сложно.
Ценник определяет ту сумму, которую нужно заработать здесь, а это невозможно. Если это не какие-то шальные деньги, не какие-то прочие ресурсы для закупок, то, в принципе, будучи нормальным, честным игроком, купить даже высоко оцененный критиками фильм невозможно. Либо его может взять в свой пакет мейджор, когда это какая-то сделка…
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. …как пристяжную лошадь…
МАРИЯ МУХИНА. …да, прицепом… либо альтернатива – выйти и разориться, как произошло сейчас.

ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Западным продавцам нельзя объяснить, что здесь сейчас происходят тяжелейшие мутации?
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. С одной стороны, пытаются, а с другой – есть все-таки огромный риск общего недоверия к нашей стране. Даже в плане пиратства, прозрачности рынка. Эти мифы не исчезают в один момент, они живы. Естественно, любой продавец пытается все свои и не свои риски заложить. Я не думаю, что в нашей стране хоть один независимый фильм превысил минимальную гарантию правообладателю.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Молодому, новому проекту трудно выйти на кинотеат­ральный рынок? Почти невозможно?
МАРИЯ МУХИНА. Да.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Трудно, потому что это вопрос доверия, а не того, хороший он или плохой. Хотя если у него при этом будет рекомендация, условно говоря, Роднянского или других правильных профессиональных людей... Мы когда-то посчитали, что в тотальном переходе на «цифру» – в этой революции – дистрибьюторы и вообще производители фильмов глобально не участвовали. Кинотеатры это делали за свой счет. Но благодаря переходу на «цифру» дистрибьюторы уменьшили свои расходы с десяти процентов (в среднем) производственного бюджета на тираж копии до двух процентов. Дистрибьюторы говорят: «Ну мы же не себе в карман эти деньги положили. Мы практически на эту сумму увеличивали маркетинговые затраты».
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Может, это и правда.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Я даже верю в это. Судя по тому, сколько денег любой мейджор стал «вбивать» в рекламу, это, очевидно, так. Но в результате они тем самым задрали планку для независимых.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Здесь они открыли, а там – поставили тормоз.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. С точки зрения конкуренции они сделали правильно. Так задрали информационную планку, что теперь ни один независимый игрок, условно говоря, не может проскочить ее. Зритель вообще не знает об этих фильмах.
КСЕНИЯ ЛЕОНТЬЕВА. Другой барьер создали. Один сломался, другой возник.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Вроде бы переход на «цифру» действительно снижает ­барьер для выхода в прокат. Не надо копии печатать, все стоит копейки. Но о том, что это повлекло за собой появление новых барьеров, которые только сейчас начинают осмысливаться и многие из которых даже не предвиделись, речи не идет. Здесь получается, что технологическое изменение повлекло за собой, грубо говоря, изменение в информационной доступности.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Но ведь все, о чем вы рассказываете, не во благо любящего кинозрителя. Вот в советское время в наш прокат выходило в год семь американских фильмов, а сейчас двести пятьдесят. Разница кое-какая есть.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Понятно, что зависимость между увеличением количества экранов и кассовыми сборами очевидна: чем больше кинотеатров, тем выше сборы. Но вот что интересно: чем больше фильмов в прокате, тем меньше кассовые сборы. Зритель теряется…
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Это классический маркетинг.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Поэтому иногда лучше иметь семь фильмов и зритель знает куда пойти, чем иметь пятьсот семь и не знать, что посмотреть.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Вас, Олег, надо брать к Сталину на работу: помните, славный период «малокартинья» – создавалось тринадцать фильмов в год…
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Мы понимаем, что среди всего количества российских фильмов – тридцать приличных. С запасом я взял. Предположим, так. Вопрос: кто фильтрует остальные пятьдесят-шестьдесят?
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Кстати, и у меня был страшный вопрос: а где пятьдесят фильмов? Для кого они? Куда исчезли? Что с ними происходит?
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Они слились, ушли в убыток.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Это что за мертвяк? Сотни названий за несколько лет.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Это нормально. Это руда, отработка. Есть такой расхожий штамп, мы же сегодня и про шаблоны говорим. Вот вы снимете десять фильмов – из них три будут лучше остальных. Но кинотеатральный рынок не резиновый. И зритель тоже. Он не может столько смотреть.
КСЕНИЯ ЛЕОНТЬЕВА. В прошлом году было выпущено 524 фильма, это релизы. Без альтернативного контента.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Вот представьте – это полтора фильма в день. Как зритель должен их фильтровать?
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Узнать что-то, открыть наш журнальчик.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Вы представьте, сколько надо перечитать. Человек будет неделю читать, чтобы только выбрать что-то. А это уже проблема критики. Говорят, будущее цифрового мира – это рекомендательные сервисы.
МАРИЯ МУХИНА. Это то, что сейчас как раз пытается запустить «Кинопоиск».
КСЕНИЯ ЛЕОНТЬЕВА. Уже лет десять эта проблема стоит.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Вы опубликуйте свои десять фильмов, которые вас потрясли за последний год. И мне будет интересно узнать, что Даниила Борисовича потрясло, я пойду их смотреть.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Мы публикуем примерно 140 авторов в год, я их опрошу.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Нет, нам столько не надо. Это будет шум, нереально. Если только вы их не отрейтингуете. В Фейсбуке популярна эта тема, когда, условно говоря, Сэм Клебанов или Рубен Дишдишян напишут про «десять, которые меня потрясли». В общем-то, я очень часто такую информацию куда-то копирую. Возвращаюсь к ней редко, но все равно она может быть полезна: для меня это показатель. Я знаю, скажем, пристрастия Сэма, его картину мира…
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Вы ведь еще и лично знаете этих людей, а большинство их не знает.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Для этого и была нужна «Кинопанорама».
МАРИЯ МУХИНА. Мы говорили о меняющихся технологиях, о настройке сервисов, сайтов. Это как при покупке фильмов через iPhone или Android, когда ты видишь, что рекомендовали твои друзья.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Откуда идет волна недовольства кинотеатрами? В большинстве своем от тех 85 процентов фильмов, которые, по выражению Вадима Смирнова, являются «шлаком». Предположим, Иван Пупкин снял кино. Дистрибьютор ему говорит: фигня. Он: ну я тогда буду «самокатом» заниматься, сам буду прокатывать.
МАРИЯ МУХИНА. Но это ведь не проблема критики, это проблема букеров.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Кинотеатры не хотят показывать российское патриотическое кино, фильмы про войну, потому что у них вышел «Мир Юрского периода» или там «Три богатыря–20». Они не берут ничего другого – под мейджора подписались. Букеры кинотеатров, которые берут или не берут фильмы, стараются этот «шлак» отсеять – становятся фильтром, который надо периодически промывать. Но при этом все шишки начинают сыпаться именно на кинотеатры. Чем хорош онлайн-сервис?
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Там нет проблемы сеансов.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Вывалил туда весь продукт, и кто скажет, что не взяли фильм в онлайн-сервис? А в кинотеатре могут не взять, там другая система дистрибуции.
КСЕНИЯ ЛЕОНТЬЕВА. Но там возникает другая проблема: фильм не будут рекламировать…
МАРИЯ МУХИНА. При этом есть специализация кинотеатров. Если вы ­утвер­ждаете, что у вас семейная аудитория, зачем тогда берете…

ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Дифференцируйтесь. Рынок к этому придет. Мы пожили очень хорошо в модели, условно говоря, блокбастеров. Сегодня уже все набили шишки, говорят: всё, в этом направлении нельзя развиваться. Аудитория неоднородная: и по возрасту, и по пристрастиям.
Обратите внимание, зритель очень разный. Мы сегодня наконец пришли к этому пониманию. Сорокалетним надо одно, тинейджерам – другое, детям – третье, бабушкам – четвертое, а православным, или говорящим по-английски, или кому-то другому – тоже что-то свое... – каждому особое. Это циклы, о которых я уже писал в «Искусстве кино». В 1960-е годы было все то же самое. Когда рынок начал валиться вниз после 1969 года, стали популярны «Кинопанорама», «Советский экран», специализированные по жанрам кинотеатры. Произошла сегментация зрителя, рынок начал искать свои ресурсы. Вот и сейчас, как грибы, появились новые «Пионеры», специализированные Дома кино, их скоро будет много.
МАРИЯ МУХИНА. Это связано еще и с тем, что по итогам форума и выставки «Кино Экспо» все говорят о демографическом спаде в возрасте тинейджеров. Но при этом осталось поколение «бума» 1986 года, они все еще ходят в кинотеатры.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Самое главное в чем? Они еще и молодые родители. У них подросли дети.
ДАНИИЛ ДОНДУРЕЙ. Они и Сергея Сельянова с его анимационными блокбастерами кормят, и сами еще чего-то хотят.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. У них снова появилось время ходить в кинотеатры. Дети подросли, им семь-десять лет, их уже можно и дома оставить.
МАРИЯ МУХИНА. В крайнем случае, родителям сбагрить, а самим сходить в кино.
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Это первый момент. Второй – и детей можно в кино повес­ти. Поколение нынешних тридцати-тридцатипятилетних родителей, которые сами по себе активные зрители, у которых есть опыт хождения в современный кинотеатр, и вот появились дети… Это поколение сегодня – основной генератор.
Для них это еще и элемент нормального времяпрепровождения, социальной привычки. У моего поколения (сорок пять – пятьдесят лет) такой привычки не сформировалось. Я научился обходиться без нее. А вот у поколения, которое в конце 1990-х увидело хорошие залы, звук, «Титаник», попкорн… эта привычка появилась.
МАРИЯ МУХИНА. Но для этой аудитории как раз тоже нужна фильтрация. Человек пойдет либо на дорогостоящий аттракцион, который есть смысл смотреть в кинотеатре, либо за качественным продуктом. Я сводила свою подругу, которая редко ходит в кино, на того же «Стажера». Она его называла «фильмом про пенсионеров», но сказала мне «спасибо».
ОЛЕГ БЕРЕЗИН. Вопрос в том, кто будет этим фильтром, авторитетом?
АЛЕКСЕЙ БЫРДИН. Я хотел вам маленькую картинку нарисовать. Она абсолютно совпадает с теми тревожными тенденциями, о которых вы говорите: что кинотеатров много, а у зрителя всего два глаза, что на все фильмы места не хватит… Куда девать «шлак»?
У нас, на мой взгляд, идет чудовищная инфляция развлечений. Людям уже мало «Аватара», он должен быть в 4D, в 5D. Это как Развернуть

Сцену поединка д'Артаньяна с де Жюссаком на берегу Ламанша снимали в Грибовке (60 км От Одессы). Там крутой песчаный обрыв у моря и постановщик трюков Николай Ващилин подсказал Хилькевичу хороший ход, чтобы закончить этот поединок. Фехтуя наверху обрыва, Балон де Жюссак, опытный боец, должен оступиться и, слетев с обрыва, запутаться в рыболовных сетях. Тут-то д'Артаньян у него и отберёт пропуск с подписью Ришелье, но оставит его в живых




Но по ошибке, в суете съёмки, Михаил Боярский спрыгнул с обрыва первым



и запутался в сетях, импровизируя сцену



Он оказался в ситуации проигравшего и актёрам пришлось ещё долго импровизировать чтобы сделать победу д'Артаньяна над лучшим фехтовальщиком Франции



Останавливать сцену Хилькевич не хотел, потому что плёнки в кассете оставалось мало и на второй дубль всё равно бы не хватило. Снимать второй дубль у актёров не было сил, но главное, сильно стемнело. Съёмка была режимной, то есть рассчитанная на короткий период сумерек. А пока перезаряжали бы камеру, наступила бы ночь. Хилл дал команду печатать этот единственный дубль и посчитал сцену снятой



Михаил Боярский и Владимир Балон. 2009 год. Фото Алексея Филиппова /ИТАР-ТАСС/

Источник: Развернуть

[TABLE][TR][TD][TABLE][TR][TD]

[/TD][/TR][/TABLE][/TD][TD]


Василий Ливанов на съёмках "Приключений Шерлока Холмса и доктора Ватсона"






Ростислав Плятт, Вячеслав Тихонов и Татьяна Лиознова на съёмках "17 мгновений весны"






Спартак Мишулин на съёмках "Белого солнца пустыни"






Анатолий Папанов на съёмках "Бриллиантовой руки"






Леонид Марков и Наталья Гурзо на съёмках фильма "Гараж"






Андрей Миронов и Марк Захаров на съёмках "12 стульев"






Николай Ерёменко на съёмках "Пиратов XX века"






Владимир Высоцкий на съёмках "Служили два товарища"






Раднэр Муратов и Савелий Крамаров на съёмках "Джентльменов удачи"






Съёмочная группа "Иронии судьбы или с лёгким паром"






Вениамин Смехов на съёмках "Д'Артаньян и три мушкетера"






Леонид Гайдай и Наталья Варлей на съёмках "Кавказской пленницы или новых приключений Шурика"






Георгий Жжёнов, Иннокентий Смоктуновский и Эльдар Рязанов на съёмках "Берегись автомобиля"






Евгений Леонов и Георгий Данелия на съёмках "Кин-дза-дза!"






Александр Фатюшин и Владимир Меньшов на съёмках "Москва слезам не верит"






Съёмочная группа фильма "Опасно для жизни"


Источник:[/TD][/TR][/TABLE] Развернуть

Очередная подборка постеров старых советских фильмов из зарубежного проката




"Берегись автомобиля". Режиссер: Эльдар Рязанов. 1966 год





"Летят журавли". Режиссер: Михаил Калатозов. 1957 год





"Гамлет". Режиссер: Григорий Козинцев. 1964 год





"Деловые люди". Режиссер: Леонид Гайдай. 1962 год





"Доживем до понедельника". Режиссер: Станислав Ростоцкий. 1968 год





"Броненосец "Потемкин". Режиссер: Сергей Эйзенштейн. 1925 год





"Жестокий романс". Режиссер: Эльдар Рязанов. 1984 год





"Невероятные приключения итальянцев в России". Режиссеры: Эльдар Рязанов, Франко Е. Проспери. 1973 год





"Иваново детство". Режиссер: Андрей Тарковский. 1962 год





"Ко мне, Мухтар!" Режиссер: Семен Туманов. 1964 год





"Иван Грозный". Режиссер: Сергей Эйзенштейн. 1944-1945 год





"Когда деревья были большими". Режиссер: Лев Кулиджанов. 1961 год





"Три плюс два". Режиссер: Генрих Оганисян. 1963 год





"Маленькая Вера". Режиссер: Василий Пичул. 1988 год





"Идиот". Режиссер: Иван Пырьев. 1958 год





"Неуловимые мстители". Режиссер: Эдмонд Кеосаян. 1966 год





"Одиночное плавание". Режиссер: Михаил Туманишвили. 1985 год





"Раба любви". Режиссер: Никита Михалков. 1975 год





"Солярис". Режиссер: Андрей Тарковский. 1972 год





"Человек - амфибия". Режиссеры: Геннадий Казанский, Владимир Чеботарёв. 1961 год
Источник: Развернуть

11 февраля в нашем прокате стартует «Дэдпул» – очень необычная экранизация весьма нетрадиционных комиксов про одного уникального героя. Несмотря на не менее необычную и безусловно успешную промо-кампанию, многим до сих пор почти ничего не известно об этом персонаже – каковы его суперсилы, особенности характера и история? На все эти вопросы мы и ответим – по пунктам.



1. Дэдпул – это не дешевая копия Дэфстроука.

Дэдпул – это дешевая копия сразу четырех персонажей, которая со временем выросла в нечто гораздо большее, чем сумма своих частей.
В статье «Как Marvel персонажей DC воровала (и наоборот)» я уже писал о том, что плагиат и передирание – дело более чем частое в супергеройских комиксах. Как показала еще одна статья – сравнение супергероев из комиксов с монстрами «Секретных материалов» – человеческая фантазия не безгранична, одни и те же вещи, которые нас пугают, шокируют или поражают, используются в фантастике сплошь и рядом.
Дэдпул впервые появился на страницах комиксов Marvel ровно 25 лет назад – в феврале 1991, в 98-м выпуске серии «Новые мутанты». В статье про плагиат я писал, что его создатель мечтал заниматься комиксами о Дэфстроуке (из вселенной DC), а когда добраться до него не вышло, создал для себя персонажа-клона как компромисс. Почитав о происхождении персонажа подробнее, я уже не уверен, правда ли это или всего лишь байка. Их вокруг создания Дэдпула ходит немало.



Дефстроук и Дэдпул



Еще одна такова: Тодд МакФарлейн (создатель Спауна), в тот момент рисовавший Человека-паука, дразнил будущих создателей Дэдпула – мол, с Паркером и его простой маской я успеваю сделать куда больше, чем вы, возящиеся с бровями и прическами каждого персонажа. Ответом на издевку стал персонаж в простой маске, который, в отличие от Паркера, не снимал ее вообще. Если МакФарлейну приходилось мучаться с лицом Питера в его обычной жизни, Дэдпула без маски долгое время не показывали совсем, а сейчас он снимает ее от силы на пару кадров, да и то довольно редко.
Дэдпул взял болтливость и дурацкие шутки от Паркера (вместе с визуальными элементами костюма), готовность убивать от Карателя, регенерацию от Росомахи и да, профессию наемника, супер-ловкость и привычку сражаться одновременно холодным и огнестрельным оружием от Дефстроука. А еще имя. Дэфстроука зовут Слейд Уилсон, а Дэдпула – Уэйд Уилсон.
Казалось бы, имя – окончательная расписка авторов в том, что они копируют конкурента, но согласно еще одной байке, один из них и не задумывался над схожестью своего концепта с чужим персонажем, а когда второй указал на это, они решили дать ему такое имя-оммаж. Мол, если и скопировали, то случайно или подсознательно, но раз уж так вышло, не будем прятать это.




2. Дэдпул знает, что он – персонаж комикса

Популярным Дэдпула сделало вовсе не наворованное у других персонажей добро. Он был создан как третьесортный герой для появления в комиксах «Новых мутантов», несколько лет он таковым и оставался. Как женщина-кошка, лишь спустя годы приобретшая черты, которые мы привыкли с ней ассоциировать (превратившись из обычной воровки в платье в ниндзя с кнутом и острыми когтями в обтягивающей коже), Дэдпул получил второе рождение, когда авторы додумались сделать его своеобразным Нео. Дэдпул понял, что находится в комиксе.
Мы часто встречали фразочки персонажей фильма в стиле «Очнись, это не кино, это реальность» или сцены вроде трипа Макса в первом Max Payne, где ему казалось, что он чувствует, как им кто-то управляет. Подмигивание аудитории. Честно говоря, я давно устал от таких шуток, потому что в сотый раз уже ей богу не смешно. Но обычно это именно разовая шутка, Дэдпул же не заигрывает, он знает наверняка и говорит об этом постоянно – напрямую в камеру.
Это знание позволяет Пулу не только обращаться напрямую к читателю, но и использовать его в бою. Например, если ему нужно узнать что-то о каком-то противнике или союзнике, он просто читает их комиксы.




3. Однажды Дэдпул замочил всех героев вселенной Marvel

Всех. Паука, Капитана Америку, Халка. Отрезал головы, прострелил башку и так далее. Из сочувствия. Он единственный знал, что они в комиксе и что все их старания, чувства, вся их жизнь – просто пляска под дудку авторов ради развлечения аудитории.
Да, это было в отдельном комиксе, который не входит в канон и представляет собой нечто вроде очередной параллельной реальности, но все же. Все героев – хрясь, пополам.







4. У него два внутренних голоса, которые спорят между собой

Желтая табличка и Белая табличка. Обычно прямоугольниками без хвостов в комиксах подается внутренний монолог героя, так вот у Дэдпула их два. Причем он сам вслух может соглашаться или противоречить внутренним голосам. В одном из комиксов раскрыли, что за каждым из голосов стояло по злодею вселенной Marvel, но это объяснение скучнее самого факта.

Цитата
Он говорит сам с собой, а потом с другим собой, и эти двое часто болтают друг с другом, пока в сам Дэдпул мелет что-то третье.

В Киноитогах 2015 я упоминал прекрасный недавний фильм Райана Рейнольдса «Голоса» – там он играл шизофреника, который тоже слышал два голоса в голове, но считал, что с ним говорят его добродушная собака и кот-социопат. Райан, видимо, подписался на эту роль ради тренировки перед влезанием в изуродованную шкуру Дэдпула.



О том, как четырежды провалившегося в комикс-ролях Райана фаната простили и посадили на трон, я уже писал отдельно.



5. Под милым костюмом скрывается жутко изуродованное тело

Уэйд Вилсон был обычным наемником без сверхспособностей, выполнявшим заказы в том числе на убийство. После того, как у него обнаружили рак в последней стадии он, в качестве последней надежды, записался в программу, которая была связана со знакомым нам «Оружием Икс», проектом, в ходе которого в Росомаху напихали адамантий.

Цитата
Пытаясь исцелить Уэйда от его агрессивного рака, ему «пересадили» регенеративные гены Росомахи.

Но рак просто так не сдался. Он каким-то образом ужился с ними, а получившаяся смесь превратила Дэдпула в обезображенное чудище – огромную раковую опухоль.





6. Дэлпул безусловно безумен, и это тоже следствие его «лечения»

Регенерация смешанная с раком создала исцеляющий фактор еще более сильный, чем у Росомахи. Дэдпулу не страшно даже отрубание головы, он может как Грут вырасти из любой выжившей части тела. Но, к сожалению, это касается и нейронов. Постоянное восстановление не пошло на пользу его мозгу, серьезно нарушив психику. Голоса, галлюцинации, непредсказуемость поведения, склонность к насилию и суициду, дурацкие шутки даже в самой неподходящей ситуации – весь букет.
Забавно, что именно безумие и непредсказуемость становятся его главным оружием. Многие злодеи, способные победить любого героя, проанализировав его манеру мышления и ведения боя, оказались бессильны перед Дэдпулом. Он ведь и сам не знает, что сделает в следующий момент.




7. Дэдпул не мутант

По терминологии Marvel мутантами считаются исключительно обладатели икс-гена, то есть получившие свои особенности при рождении, а не в результате экспериментов и несчастных случаев. Паркер, Халк, Сорвиголова, Капитан Америка – не мутанты. Как и Дэдпул. Они «мутировавшие».
И это звучит странно даже для тех, кто читает комиксы. Ведь Дэдпул появился именно в комиксах про мутантов, постоянно воюет то с ними, то против них, в общем крутится поблизости, даже в новом фильме – вокруг него сплошные мутанты, включая уже известного нам простого русского парня Колосса. И все же нет, из другого гнезда птица.
Дэдпул иногда врет, что он мутант. Но чего верить шизофренику?




8. А вот его возлюбленная Ванесса – мутант, а еще – бывшая проститутка и точно «не-дама-в-беде»

Ванесса еще подростком была вынуждена заниматься проституцией в Бостоне (просто Джоди Фостер из «Таксиста»), затем встретилась с Уэйдом, и они вместе стали мечтать о лучшей жизни. Лучшая жизнь не пришла, пришел рак. Уэйд не хотел, чтобы Ванесса осталась у его могилы с разбитым сердцем, поэтому бросил ее загодя.
Ванесса – шейпшифтер вроде Мистик (и тоже синяя), но насколько известно, в фильме она своих способностей проявлять пока не будет. Возможно, оставят на сиквел.




9. У Дэдпула была еще одна возлюбленная. Смерть.

Смерть во вселенной Marvel – вполне проявленный персонаж. Она часто видела Дэдпула, учитывая, что он только и занимался тем, что делал трупы из людей и нелюдей. Ей показалось, что в нем есть что-то родственное, они нравились друг другу.
Пока другие герои изображали эмо и бросали костюмы в мусорку, решая покончить с геройством навсегда (то есть на пару выпусков), Уэйд играл по-крупному и все пытался замочить самого себя, чтобы воссоединиться со своей подружкой, Смертью.
Но он был не единственным персонажем, упоротым настолько, чтобы влюбиться в Смерть. Вторым был наш знакомый я-не-оторву-жопу-от-трона Танос – фиолетовый хмырь с перчаткой из фильмов Marvel. Танос заревновал к своей возлюбленной и проклял Дэдпула на вечную жизнь, то есть он стал из трудноубиваемого бессмертным. Потом Танос его убил. И воскресил, так как ему срочно понадобилась его помощь. О, комиксы, как вас не любить.








10. Дэдпул – это не дохлый бассейн

Его имя на самом деле происходит от другого значения pool – «общак», подразумевая «общак мертвецов», в который скидывались пациенты хосписа при «Оружии икс», делая ставки на то, кто протянет дольше. Уилсон выжил и взял себе общак в качестве нового имени. Но я не только об этом – кто такой Дэдпул логически понять довольно сложно.
Он говорит, что мутант, тусуется с мутантами, имеет пересаженные гены мутанта, но мутантом не является.
Он может заживить любую рану, но при этом весь покрыт шрамами, причем не только снаружи – даже его голос описывается в комиксах как нечто невыносимое, чему причиной по его словам – шрамы на голосовых связках. От рака он тоже так и не вылечился.
Он был наемником до «операции» и так им и остался, вроде как мораль – это не к нему, все диктуют деньги, но в одном из комиксов выяснилось, что он не обналичивал ни одного своего чека, да и вообще с начала карьеры брался за устранение лишь тех целей, которые, по его мнению, того заслуживали.






Он вроде как мастер меча и пушек, но когда он внезапно лишился своей регенерации, то понял, что слишком во многом на нее полагался – не старался избегать пуль и ударов, а когда пришлось, выяснилось, что он недостаточно крут. Он даже пошел в обучение, чтобы наверстать упущенное.
Он вроде как совсем съехал с катушек и часто видит реальность как извращенный бред, но при этом способен на крайне изощренные планы, требующие чудес логического мышления и научных знаний.
Дэдпул знает, что он – персонаж комикса и всеми его действиями управляют авторы, и все же продолжает жить, как ни в чем ни бывало. Шутить, кромсать, спасать и расстреливать.
И я не к тому, что у персонажа нет последовательности и он мечется от одного к другому, нет, все как раз наоборот – каким-то образом все эти противоречия идеально подходят ему. Каким еще мог быть изуродованный бессмертный псих, знающий, что он заперт в «Матрице»?









YouTube


[video]https://youtu.be/sX5JbfjU08s[/video]


Трейлер на русском без цензуры от Кубиков
Источник: Развернуть

В последнее время перевод Гоблина набирает популярность у телезрителей.
Это одновременно смешной и немного пошлый перевод, который позволяет
по-новому посмотреть на уже приевшиеся фильмы и сериалы.

Благодаря необычному способу разговора и передачи диалогов, картины в
переводе гоблина, список фильмов которых будет указан ниже, пользуются
спросом не только у молодых поклонников, но и у населения в возрасте от
35 лет и выше.


История перевода

Гоблинский перевод появился как самостоятельное течение благодаря
украинскому блогеру и переводчику Дмитрию Пучкову. Он в свое время
пробовал себя и свои возможности на многих профессиях, но основным
призванием публициста стал именно смешной и оригинальный перевод фильмов
и сериалов.

в переводе гоблина список фильмов



Все начиналось с позитивных комментариев к видеоиграм и создания
юмористических вариантов известных картин. К таким фильмам можно отнести
"Властелин колец". Дмитрий Пучков переделал его на свой манер.

На своем сайте публицист предлагает поклонникам творчества Гоблина
обсудить вышедшие кинокартины, политические события и многое другое.
Поскольку Дмитрий Пучков не имеет высшего филологического образования,
многие критики считают его излишне самоуверенным и относят поклонников
его творения к неразборчивым слоям населения.


Лучшие фильмы в переводе Гоблина: список и описание

Как уже говорилось ранее, подобный перевод весьма специфический и
нравится не каждому телезрителю. Однако, не смотря на эти особенности,
творения Гоблина довольно популярны у молодых людей в возрасте от 16 до
35 лет.

Самые смешные фильмы в переводе Гоблина, список которых указан ниже,
являются аналогами известных блокбастеров. Например, "Властелин колец",
"Ночной дозор". Как правило, переводами фильмов и сериалов занимаются
две студии.

лучшие фильмы в переводе гоблина список <#image1110280>

Итак, что же посмотреть в переводе Гоблина, список фильмов:



* "Властелин колец. Братва и кольцо".
* "Властелин колец. Две сорванные башни".
* "Властелин колец. Возвращение бомжа".
* "Ночной базар".
* "Святые из трущоб".
* "Чужой 4".




Естественно, это не все картины, выполненные в гоблинском переводе. Выше
были перечислены наиболее популярные творения Дмитрия Пучкова.

список фильмов с переводом гоблина без цензуры


Картины без цензуры

Список фильмов с переводом Гоблина без цензуры, нацеленных на аудиторию
более взрослых телезрителей:

* "Большой куш".
* "Плохой Санта".
* "Добро пожаловать в Зомбилэнд".
* "Форсаж" с переводом гоблина.
* "Тор в смешном переводе".
* "Обитель Зла".
* "Чело Пук".



Для любителей просмотра картин в переводе Гоблина (список фильмов был
перечислен выше) студии перевода предлагают ряд сериалов в
соответствующей озвучке. Например, "Клан Сопрано", повествующий о
разладах и ироничных моментах в семье известного мафиози.

самые смешные фильмы в переводе гоблина список




"Властелин колец. Братва и кольцо"

Фильм-аналог на известный блокбастер, был одним из первых творений
Дмитрия Пучкова. В картине сюжетная линия рассказывает телезрителям о
приключениях Федора, который остался один на одни с проблемами.
Неприятные обстоятельства для парня появились после того, как его дядя,
которому исполнился 101 год, благополучно покинул родные края, оставив
только племяннику.

За братвой, в которую входят Федор, Пендальф, Логоваз, Гимлер, Агроном и
Сени довольно продолжительно время охотятся ищейки известного авторитета
Саурона. В состав противоположной команды, которая поддерживает Саурона,
входят девять эсэсовцев и древнейший маг Сарумян.

Получится ли у группировки Федора устранить образовавшуюся проблему
после бегства его дяди? Найдет ли Саурон главного героя? Все это и
многое другое вы узнаете в процессе просмотра данной картины.


Мультфильмы в переводе Гоблина: список фильмов

Помимо перевода и изменения фильмов, Дмитрий Пучков занимается и
оригинальной озвучкой мультфильмов и подростковых картин. Например,
интерпретация некоторых частей истории о Гарри Поттере.

Итак, список мультфильмов в переводе Дмитрия Пучкова:

* "Саут Парк – Большой Длинный и Необрезанный".
* "Шрек".
* "Ну, погоди!".
* "Простоквашино".
* "Возвращение блудного попугая".
* "Чебуратор".

Подобные картины предназначены для просмотра лицам, которые достигли
совершеннолетнего возраста.

Большая часть творений в гоблинском переводе известна своим искрометным
и оригинальным юмором, иногда присутствует даже черный юмор. Основными
атрибутами перевода от Дмитрия Пучкова являются нецензурная лексика,
специфический юмор и громкие названия картин.


"Лорды Зазеркалья"



В аналоге "Гарри Поттера" под руководством Гоблина телезрителям
повествуется история главного героя Тома Ханта, которому пришлось
перевестись в другой университет. Все было бы отлично, если бы Том не
раскрыл тайну ректора. Оказывается, темный Лорд давно мертв, а его место
занял другой человек. Далее действия начинают стремительно развиваться и
закручиваться в интересный и в некотором роде поучительный сюжет.
Источник: Развернуть

2015-й был действительно плодотворным годом для европейского кино. Приведенный в этой статье список – это краткий обзор лучших европейских фильмов, выпущенных в 2015-м, содержащий фильмы из 15 разных стран – от Турции, Греции, Хорватии, Румынии, Венгрии, до Польши, Германии, Испании, Великобритании, Ирландии, Франции, и заканчивая Норвегией и Исландией..


1. “Лобстер” (Греция) – Йоргос Лантимос


Йоргос Лантимос – один из главных творцов нового европейского кинематографа. Он создает не только захватывающие истории, но и волнующую и причудливую реальность. Англоязычный дебют греческого режиссёра, “Лобстер”, – это история о любви, одиночестве и жестокости. “Лобстер” представляет собой замечательную мрачную социальную сатиру с оттенком чёрного юмора.
В начальной сцене фильма мы видим ослика, подстреленного женщиной. Действие происходит в недалёком будущем, в котором одинокие люди изолируются от общества и посылаются в особый Отель. Главный герой Дэвид (Колин Фаррелл) – мужчина, недавно переживший развод. Он переезжает в Отель с псом, который когда-то был его братом, а затем был превращён в животное из-за того, что не смог пройти 45-дневную программу Отеля.
Чтобы не быть превращённым в животное, жилец Отеля должен найти подходящего партнёра среди других жильцов. Одно из главных занятий в Отеле – охота за Одиночками – повстанцами, обитающими в одиночестве в лесу. Однажды Дэвид решает сбежать из Отеля и присоединиться к Одиночкам. Там он встречает девушку и влюбляется …

2. “Молодость” (Италия) – Паоло Соррентино


“Молодость” (итальянское название “La giovinezza”) – второй англоязычный фильм от обласканного критиками итальянского режиссёра Паоло Соррентино. Он выиграл премию Европейской Киноакадемии в номинации “Лучший фильм” и номинировался на “Золотой глобус”.
Действие происходит на курорте в швейцарских Альпах, где ушедший на пенсию британский дирижёр Фред Бэллинджер (Майкл Кейн) проводит свои летние каникулы 25 последних лет. Старика сопровождает давний друг, режиссёр Мик Бойл (Харви Кейтель), который завершает свой самый лучший фильм за всю карьеру, и дочь Лина (Рэйчел Вайс), которую неожиданно бросил муж – сын Бойла.
Эта простая история о старости и молодости насыщена отсылками к поп-культуре и образам знаменитостей – поп-звезда Палома Фейт играет роль самой себя, также в кадре появляется Диего Марадона с лишним весом, Мисс Вселенная и королева Елизавета II. Наиболее выдающийся аспект “Молодости”, как и других фильмов Соррентино, – это визуальный эффект фильма – захватывающие дух места, красивые интерьеры и величественные цвета.
“Молодость” – это визуально ошеломительная меланхолия и удивительно элегантное веселье, которое определённо доставит удовольствие любому любителю кинематографа.

3. “Сын Саула” (Венгрия) – Ласло Немеш


“Сын Саула” (венгерское название: Saul fia) – это выдающийся дебют в игровом кино 38-летнего венгерского режиссёра Ласло Немеша. Это эмоционально насыщенная история о бесконечной боли переживших ужасы Холокоста.
Действие фильма происходит в 1944 году в концентрационном лагере Аушвице – Биркенау. Заглавный герой Саул (Гёза Рёриг) – венгерский еврей, один из множества пленников.
Он член зондеркоманды – группы людей, которых заставляют переносить тела убитых из газовых камер к кострам для сожжения и развеяния праха. В обмен на службу он получает еду получше и отсрочку собственной казни.
В это время он обнаруживает среди мёртвых тело своего убитого сына. Саул ставит свою жизнь на кон, чтобы найти раввина и соблюсти ритуал захоронения его любимого сына. В этом фильме история Холокоста становится более личной и интимной, чем когда-либо, фокусируюсь на темах родительства, боли и чести в это исключительно тяжкое время.
Драма Немеша была впервые показана на 68-м Каннском кинофестивале и выиграла Гран-При. Также она стала первым венгерским фильмом, выигравшим “Золотой глобус” в номинации ”Лучший фильм на иностранном языке”.

4. “Виктория” (Германия) – Себастьян Шиппер


Один город. Одна ночь. Одна декорация. “Виктория” – это большая победа немецкого кино. В этом фильме зрителя приглашают на уникальную “экскурсию”, не выходя из кинотеатра. Этот 2,5-часовой фильм – особенное путешествие по Берлину.
Фильм, снятый одним кадром, переносит нас в разные части Берлина. Технические аспекты фильма действительно впечатляют, от них захватывает дух. Но самое большое преимущество этого фильма – главные герои Виктория и Сонне в исполнении Лаи Косты и Фредерика Лау.
Фильм начинается в техно-клубе, где мы видим Викторию, танцующую в неоновых огнях. После того, как Виктория покидает клуб, она встречает группу берлинцев, предлагающую ей провести ночь вместе. Один из них – Сонне – быстро знакомится и начинает флиртовать с Викторией. Затем фильм внезапно превращается в захватывающую криминальную драму с ограблением банка и трагическим финалом.

5. “Мустанг” (Турция) – Дениз Гамзе Эргювен


В новом турецком кино ориентиры определённо задаёт Нури Бильге Джейлан, режиссёр “Отчуждения” (2002), “Трёх обезьян” (2008), “Однажды в Анатолии” (2011) и “Зимней спячки” (2014). Более изысканные любители кино могут также знать несколько фильмов Семиха Капланоглу или Зеки Демиркубуза. Но правда в том, что турецкая киноиндустрия может предложить гораздо большее. Отличным примером этому можем служить “Мустанг” – режиссёрский дебют женщины-сценариста Дениз Гамзе Эргювен.
Этот фильм не только хорошо снят, но и (а, возможно, и в первую очередь) является зеркалом патриархального общества. Он рассказывает историю пять сестёр-сирот, выращенных бабушкой, тётей и дядей в прибрежной деревне в Турции.
В начале фильма мы видим девочек, невинно играющих с мальчиками на пляже. Вскоре мы выясняем, что такие обычные занятия неприемлемы в их обществе.
С тех пор им запрещают выходить из дома. Запрещается носить любую одежду, кроме паранджи, при других людях. Они не могут пользоваться компьютером или телефоном. Единственное, на чём девочкам нужно сконцентрироваться, – это подготовка к выходу замуж.
Договорённости заключаются очень быстро, и сёстры начинают выходить замуж одна за другой. Ситуация приводит к нескольким трагическим событиям…
В 2015-м “Мустанг” выиграл премию Европейской киноакадемии за “Европейское открытие года”.

6. “Любовь” (Франция) – Гаспар Ноэ


“Любовь” – это драма, написанная и снятая противоречивым франко-аргентинским режиссёром Гаспаром Ноэ – автором знаменитых картин “Необратимость” (2002) и “Вход в пустоту” (2009).
Фильм рассказывает историю Мёрфи – молодого американского фотографа, живущего в Париже, и его нежной любви к девушке Электре. Однажды они решают внести разнообразие в любовную жизнь и пригласить своего соседа в постель. Никто из них не знает, что это изменит их жизнь навсегда.
Фильм основан на ретроспективных ярких эротических воспоминаниях Мёрфи об истории его любви к Электре, наполненных долгими медленными сценами реальных, несимулированных половых актов, сопровождаемых атмосферными саундтреками из рок-композиций, создающих провокационные и сильные образы.
Яркие цвета фильма и мягкое интимное освещение с интересными операторскими решениями и эффектом 3-D заставляют зрителя испытывать экстаза вместе с персонажами. Невиданное зрелище в истории кино – Гаспар Ноэ создаёт художественно-порнографические образы, сдобренные эмоциональной смесью из любви, ненависти, обманутых ожиданий, предательства, вины и сожалений, которая вызовет понимание среди всех современных людей.

7. “Бараны” (Исландия) – Гримур Хаконарсон


Комедийная драма “Бараны” (оригинальное название: Hrútar) – это третий художественный фильм в карьере исландского режиссёра и сценариста Гримура Хаконарсона. Краткий пересказ сюжета этого фильма может выглядеть прозаическим. Это история двух братьев, живущих вместе в северной холодной погоде с бедным сельским пейзажем.
Гумми (Сигюрдюр Сигюрйоунссон) и Кидди (Теодор Юлиуссон) оба разводят овец. Несмотря на то, что они братья, они никогда не разговаривают друг с другом. Единственное средство их связи – письма, доставляемые время от времени овчаркой Кидди. На самом важном событии региона – соревновании баранов – баран Кидди объявляется победителем, обойдя барана его брата всего на половину очка. Это событие углубляет пропасть непонимания между братьями, но вскоре все фермеры попадают в сложное положение после того, как их овцы смертельно заболевают …
“Бараны” – это кино, насыщенное исландским духом, черным юмором и глубокой зимней меланхолией. Фильм бы впервые показан на Каннском кинофестивале и выиграл приз “Специальное упоминание”, также был показан на фестивалях в Ванкувере, Торонто и Теллуриде. Также фильм был выставлен от Исландии на “Оскар”.

8. “45 лет” (Великобритания) – Эндрю Хэй


“45 лет” – семейная драма от Эндрю Хэя, основанная на коротком рассказе “В другой стране” Дэвида Константайна. Под внешнем простым сюжетом таится что-то глубокое и сложное.
Кейт (Шарлотта Рэмплинг) и Джефф (Том Кортни) Марсеры – бездетная британская пара, готовящаяся к отмечанию 45-летия брака. За неделю до большого события Джефф получает письмо о том, что спустя 50 лет поисков тело его экс-любовницы Кати было найдено в ледниковой расщелине в Альпах. Это событие вызывает в нём воспоминания о его первой любви. Счастливый брак Джеффа неминуемо начинает болезненно и медленно распадаться.
Это минималистичный фильм с первоклассными актёрскими работами. Он показывался в основной программе 65-го “Берлинале”, где Рэмплинг и Кортни выиграли Серебрянных медведей в номинациях “Лучшая актриса” и “Лучший актёр”.

9. “Комната” (Ирландия) – Ленни Абрахамсон





Ленни Абрахамсон режиссирует относительно простые, но завораживающие истории, которые могут оставаться в памяти зрителя долгое-долгое время.
“Комната” – это киноадаптация романа Эммы Донохью, выпущенного в 2010. Ма (Бри Ларсон) была похищена в 17 лет парнем по имени Старый Ник (Шон Бриджерс). Ма рожает мальчика (Джейкоб Трамбле). Для мальчика комната, в которой он заточён с мамой – и есть весь мир. Вся его жизнь основана на ритуалах, проходящих здесь, – утренняя зарядка, прослушивание книг, читаемых мамой, игры в закрытом шкафу по ночам – когда Старый Ник приходит, чтобы оставить еду и причинить боль Ма.
Когда Джеку исполняется 5 лет, его мама решает сказать ему, что за пределами комнаты есть огромный мир. Это становится началом их борьбы за свободу. Но в этом случае история их успешного побега – это не хэппи-энд очередной истории о выживании, а начало другой, даже более важной части, сфокусированной на посттравматическом стрессе и жизни на новой для беглецов территории. Фильм номинирован на “Оскар”-2016 в категориях “Лучший фильм”, “Лучший режиссёр”, “Лучший адаптированный сценарий” и “Лучшая женская роль ”.

10. “Браво!” (Румыния) – Раду Жуде



“Браво!” – это вестерно-подобная история, происходящая в Валахии – историческом и географическом регионе Румынии. Это третий фильм Раду Жуде – вдумчивый и забавный взгляд на табуированную тему цыганского рабства, которое процветало в Румынии с 13 – 14 века, пока не было постепенно искоренено в 1840-е и 1850-е годы. Фильм снят в черно-белых цветах на 35-мм плёнку и стал вторым фильмом, посвящённым этой теме, после немого фильма “Девушка-цыганка в спальне”, снятого в 1923-м.
В 1835-м по Валахии путешествуют охотники за головами Жендарм Констандин (Теодор Корбан) и его сын Ионита (Михай Команиу). В этот раз их нанял местный аристократ Бояр Йордаче Чиндеску (Александру Дабиджа), чтобы найти и вернуть Карфина (Кузин Тома) – раба-цыгана, которого нужно наказать за роман с женой Бояра.
Во время путешествия отец и сын встречают людей разных наций и вероисповеданий, и их предрассудки смешиваются с предрассудками этих людей. Эта ксенофобия передаётся из поколения в поколение и стала обычным явлением.
По пути домой Констандин и Ионита празднуют успех в поимке Карфина, но после того, как сын видит всю жестокость наказания, он поднимает вопросы об этичности рабства и дарит пленнику свободу.
“Браво!”, названный турецким словом, принёс Раду Серебряного медведя за лучшую режиссуру на Берлинале – 2015.

11. “Моя тощая сестра” (Швеция) – Санна Ленкен



“Моя тощая сестра” (шведское название – Min lilla syster) – это первый полнометражный фильм шведского режиссёра Санны Ленкен. Он был впервые показан на Гётеборгском кинофестивале, а за границей дебютировал на Берлинале.
Фильм Ленкен – это социальная драма о сёстрах и пищевом расстройстве. Режиссёр впервые проявила интерес к этой теме в 2013-м, сняв короткометражку “Поедание ланча, номинированную на шведскую национальную кинопремию “Золотой жук” в 2014-м.
“Моя тощая сестра” рассказывает историю о зависти, восхищении и проблемах, которые могут разрушить семью. Катя (Эми Даймонд) – красивая девочка-подросток, любящая заниматься фигурным катанием. Ей восхищается и немного завидует скромная младшая сестра Стелла (Ребекка Йозефсон), которая влюбилась в тренера Кати – Якова (Максим Мехмет).
Отношения между сёстрами меняются, когда младшая узнаёт о булимии, от которой страдает старшая. С этого момента их мир будет полон манипуляций и лжи, которые будут медленно вести к распаду семьи.

12. “Тело” (Польша) – Малгожата Шумовска




Современное польское кино приобретает всё больший интерес в Европе. С каждым годом все больше польских фильмов интересуют международных дистрибьюторов.
“Тело” (польское название: Ciało) – это драма режиссёра Малгожаты Шумовски, одной из наиболее выдающихся режиссёров Польши на данный момент.
Этот фильм показывался в основной секции 65-го Берлинского международного кинофестиваля. Шумовска выиграла Серебряного медведя в номинации “Лучший режиссёр”.
“Тело” – это простая история, насыщенная аллюзиями на противоречивые ситуации из польских новостей. Главных персонажей три: прокурор Копровиц (Януш Гайос), его дочь Ольга (Юстина Сувала), страдающая от булимии, и её терапевт Анна, работающий по нетрадиционным методам (Майя Осташевска). Анна – также медиум и может общаться с миром усопших. Она предлагает свой необычный способ смириться с утратой Ольге и её отцу, чтобы они могли поддерживать связь с недавно покинувшей этот мир матерью Ольги.
Фильм Шумовски – это не трагическое изображение утраты и одиночества. Это загадочная и ироничная история о теле, душе, духовном развитии, религии и вере.

13. “Ма Ма” (Испания) – Хулио Медем


“Ма Ма” – испанская драма, снятая одним из ведущих режиссёров страны, Хулио Медемом (“Секс и Люсия”, “Беспокойная Анна”, “Рыжая белка”). Это первый опыт его сотрудничества с Пенелопой Крус. После почти шестилетнего отсутствия в национальной киноиндустрии актриса вернулась в испанский кинематограф и сыграла главную роль – Магды – и стала сопродюсером фильма.
Фильм рассказывает историю безработной учительницы, растящей сына, талантливого начинающего футболиста. В начальной сцене у Магды диагностируют рак груди. И с этого начинается история в стиле “улыбка со слезами на глазах” – история борьбы сильной женщины с превратностями судьбы.
Зритель становится свидетелем духовной трансформации героини. Магда не смиряется со своей судьбой. Её болезнь и неизбежная смерть парадоксальным образом делает её сильнее и счастливее, чем когда-либо.
Крус сказала, что эта роль была одной из самых сложных и комплексных в её карьере.

14. “Зенит” (Хорватия) – Далибор Матанич


История Балканского конфликта – не самая популярная тема в киноиндустрии.
Однако, “Зенит” (хорватское название: Zvizdan) смело пытается ступить на территорию разорванной войной Югославии, показывая её сквозь призму историй любви.
Фильм разделён на три короткие истории, происходящие на протяжении более 30 лет. В первой мы видим запретную любовь между двумя людьми, живущими по разные стороны границы – сербки и хорвата. Вторая – это картина поля битвы – мир ещё не готов к продолжению спокойной жизни, и для любви места нет. Третья история происходит в 2011-м – хотя война и окончена, в людях всё ещё не зажили травмы, нанесённые войной.
Талантливые актёры – Тиана Лазович и Горан Маркович – играют разных главных персонажей в каждой из историй. “Зенит” – первый хорватский фильм, показанный на Каннском кинофестивале с момента обретения страной независимости в 1991 году. Он выиграл приз жюри в 2015-м. Также фильм был выбран для лонг-листа номинации 88-й премии “Оскар” за лучший фильм на иностранном языке.

15. “Волна” (Норвегия) – Роар Утхауг

“Волна” – это по-голливудски снятый фильм-катастрофа, снятый в Норвегии. С бюджетом всего лишь в 6 миллионов евро, это впечатляющий европейский триллер о катастрофе. Перед зрителем предстаёт захватывающий вид скандинавских фьордов и озёр, позволяющий ощутить эффектную атмосферу Севера на всём протяжении фильма.
Сюжет развивается в мелком туристическом городке Хейрангер, расположенном рядом с нестабильной горой, которая может в любой момент разрушиться и уничтожить всё вокруг огромной приливной волной. Протагонист Кристиан (Кристоффер Йонер) – увлечённый геолог, работающий в центре раннего предупреждения. Он собирается переехать в город, где ему предлагает новую работу нефтедобывающая компания.
Первый час фильма представляет собой идиллическую картину затишья перед бурей: красивые люди, захватывающие дух пейзажи, уютные интерьеры. Однако, в последнюю для семьи ночь в Хейрангере картина начинает портиться. В озеро начинают падать камни, и с этого момента у всего населения города остаётся 10 минут, чтобы спасти свои жизни и перебраться в другое место, пока волна не смела их.

“Волна” была отправлена на “Оскар” в номинации “Лучший фильм на иностранном языке”, хоть и не попала в итоговый шорт-лист.


Автор – Александра Степневич
Биография автора: Александра Степневич – 26-летний европейский кинокритик из Катовице, Польша. Когда она не работает на полную ставку в техподдержке онлайн-сервиса свадьб, она пишет роман, готовит что-то вкусное, навещает бабушку или смотрит фильмы в ближайшем кинотеатре. Развернуть

Написание киносценария – непростая задача, несмотря на множественные подсказки, советы и формулы, которые передаются из уст в уста. Нет никаких “правил” или гарантий успеха, но есть несколько ключевых факторов, на которые следует обратить внимание. Для сценариста всегда полезно учиться разбирать на части и анализировать, что делает конкретный фильм, сцену или последовательность сцен работать эффективно.
В данной статье приведен список фильмов (не упорядоченный по уровню важности), во всех из которых есть сцена или несколько сцен, из которых сценарист может чему-то научиться. Стоит заметить, что в статье есть место как для базовых правил, таких, как ‘показывай, а не рассказывай’, так и для менее очевидных наблюдений. Перед вами – десятка фильмов с моментами, которые подчёркивают важные аспекты написания киносценария:

1. “Окно во двор” (1954)

Принято считать, что первое правило написания сценария – ‘показывай, а не рассказывай’. Однако, когда ты продираешься сквозь первый черновик сценария, иногда понимаешь, что гораздо проще сказать, чем сделать. Обычно проблемы возникают на ранних стадиях написания сценария, так как автор старается донести всю нужную информацию о персонажах (экспозицию) до зрителей, но чтобы при этом сценарий не превратился в утомительный диалог о жизни главного героя.
В сцене, открывающей “Окно во двор”, Хичкок, начинавший снимать ещё в эпоху немого кино, преподносит сценаристу урок по тому, как просто можно провести экспозицию. Фильм, сценарий к которому написал часто сотрудничавший с Хичкоком сценарист Джон Майкл Хейс, начинается с вида из окна во двор из квартиры фотографа Л. Б. “Джеффа” Джеффриса (Джеймс Стюарт).
По мере того, как камера плавно вплывает в его комнату, зрители видят гипс на его ноге, и на гипсе написано имя владельца – таким образом, зрители понимают, как его зовут. Вспотевший лоб и кадр с термометром, висящим на стене, показывает зрителю, насколько сейчас жарко. Важно, что зрители также видят разбитые останки фотоаппарата и фотографию мчащейся гоночной машины (очевидно, летящей в сторону фотографа) – то есть они сразу узнают, как Джефф сломал ногу.
Однако, и это не всё: зрители узнают, что он вовсе не фотограф-любитель, так как видят стопку журналов, негатив кадра с обложки, висящий в рамке на стене – всё это демонстрирует профессиональную успешность.
Всё это показывается в довольно быстром темпе, ещё до того, как герой начинает говорить, но при этом давая зрителю чёткое понимание, кто такой Джефф, а также (важно для сюжета) демонстрируя ограниченность его нынешних физических возможностей, буквально влияющее на его картину внешнего мира. Фотоаппарат и фотография автомобиля также вносят нотку сдержанного юмора в происходящее, немного расширяя эмоциональный спектр фильма.

2. “Оливер Твист” (1948)

Насилие – как не перейти грань в его показе на экране и как далеко может зайти сценарист? Всё это зависит от контекста/жанра фильма. Однако, как выяснил Альфред Хичкок, “главное – не совершение чего-то ужасного, а ожидание этого”. Рассуждая похожим образом, можно прийти к выводу, самое важное – донести эмоциональное и чувственное влияние актов насилия до зрителей.
Экранная адаптация “Оливера Твиста” Дэвидом Лином (в соавторстве со Стэнли Хейсом) играет сразу на двух чувствах в сцене, когда пьяный Билл Сайкс (Роберт Ньютон) убивает Нэнси (тогдашнюю жену Лина – Кей Уолш), забивая её дубинкой до смерти. В этой сцене нет ни изображения, ни звука акта насилия, камера быстро отводится в сторону, что смягчает воздействие на зрителя, но пронзительный одержимый вой пса Сайкса по кличке Бычий Глаз, скребущегося в дверь и пытающегося сбежать из комнаты, наполняет души зрителей тревогой и беспокойством.
Напрямую передать физическую боль страдающего персонажа зрителю невозможно, и сценарист должен использовать другие чувства зрителя, чтобы усилить понимания происходящего и целей персонажей. При наличии правильных знаков воображение зрителя дорисует ужасную картину самостоятельно. Есть мнение, что реакция пса передает взбешённое “животное” психологическое состояние самого Сайкса.
Также этот пример демонстрирует правило “пришёл поздно – ушёл рано”, так как Лин быстро переключает взгляд зрителя со сцены с Бычьим Глазом на следующую сцену, спокойному виду сверху на очень грязные улицы следующим утром – позволяя аудитории перевести дыхание и, вместе с Сайксом, смириться с тем, что только что произошло.

3. “Криминальное чтиво” (1994)

Превосходный подход к диалогам в фильмах Тарантино обсуждается, наверно, с самого начала его карьеры. Главный урок, который стоит усвоить, – то, что этот подход не является каким-то “тёмным искусством”, которому никак нельзя научиться.
Тарантино прибегает к шекспировскому методу и применяет пятистопный ямб. Говоря простыми словами, это позволяет построить ритм предложения при помощи слогов – ‘та-дам – та-дам – та-дам’. Это сразу делает диалог броским, легко запоминающимся и, возможно, не таким искусственным – сравните ‘быть или не быть…’ и постоянно повторяемый “Ро-ял Чи-из”.
В “Криминальном чтиве” (снятому по оригинальному сценарию, написанному Тарантино совместно с Роджером Эвери) вступительная болтовня между Винсентом Вегой (Джон Траволта) и Джулсом Винфилдом (Сэмюэл Л. Джексон) позволяет сделать сцены с более длительными диалогами более живыми и менее затянутыми, так как зрители уже “в теме”.
C точки зрения сценариста, эта техника помогает не утомлять зрителей, добавляя ритмический рисунок/текстуру в сцены длинных диалогов – особенно в те, которые отматывают историю назад, показывая предысторию – чтоб обычно считается недопустимым в сценариях. Пятистопный ямб, используемый Тарантино, не является чем-то уникальными, примеры его использования можно найти в любом фильме, в которых режиссёр является одновременно и сценаристом.
Тарантино многое объясняет в дополнительных материалах к DVD-релизу фильма 1975 года “Сестрички с выкидными лезвиями” режиссёра Джека Хилла, выпущенного на его студии “Rolling Thunder Pictures” – показывая, как осведомленность и знание этого приёма можно использоваться, что нарочно заставить диалоги звучать плохо. Само собой, пятистопный ямб подходит хитроумному стилю Тарантино и, может, уместен не в каждом сценарии, но знание его ритма и темпа полезно для сценариста, чтобы справляться с трудностями при построении диалогов.


4. “Беззаботная” (2008))

Возможно, на контрасте с “тарантиновским” подходом к диалогам, режиссер и сценарист Майк Ли отдает предпочтение более натуральному звучанию. Размер сценария к любому из фильмов Ли являет предметом споров. Однако, в общем, он разрабатывает характер персонажей совместно с актёрами, давая им только общее понимание/план того, как будет разыграна сцена и позволяя диалогам развиваться естественно, как они происходят в реальной жизни.
Результатом становятся, как во многих сценах уроков вождения в “Беззаботной”, недопонимание, неловкие паузы, оборванные на середине предложения и затянутые паузы в разговорах. Хотя Ли не прописывал это в сценарии, понимание сценаристом того, как звучат диалоги из “реальной жизни”, полезно, чтобы избегать конструкции длинных “идеальных” предложений, которые замедляют повествование и, что ещё хуже, очень искусственно звучат на экране.
В одной из сцен фильма, например, главная героиня Поппи (Салли Хокинс) игнорирует, как её инструктор по вождению (Эдди Марсан) прямо отвечает “Мой отец умер”. Предшествующий этому разговор из обрывочных вопросов и ответов привел его к ложному выводу, что Поппи живёт с партнёршей-лесбиянкой десяти лет от роду. Сцена перескакивает, продолжается, зависает на месте и идеально передаёт всю присущую ей неловкость такого типа разговоров.

5. “Безумный Макс-2: Воин дороги” (1981)

Умение заставить зрителя сопереживать, чтобы он следил за всеми перипетиями и хитросплетениями сюжета вместе с главным героем может стать решающим моментом в успехе сценария/фильма. В случае, если ваш персонаж – незатейливый тихоня или даже милый неудачник, с этим вопрос справиться легко – можно использовать некоторые классические трюки – например, вашего героя любят дети/животные, он помогает им в беде, и поэтому пользуется популярностью среди других героев.
Также важно, чтобы персонаж имел достаточную “глубину”, чтобы поддерживать зрительский интерес. Однако в мире жестокого постапокалиптического боевика, где даже хорошим парням приходится выживать, это может стать проблемой для режиссёра.
“Безумный Макс 2” режиссёра Джорджа Миллера (написанный совместно с Терри Хейсом и Брайаном Ханнантом – также выпущенный под названием “Воин дороги” в США) справляется с этой проблемой, оставляя центрального персонажа Макса (Мел Гибсон) в одиночестве в начальной сцене фильма, тем самым позволяя зрителю слушать его сокровенные мысли (передающие глубину и мотивацию персонажа), просто озвучивая их. Даже по сравнению с речью других персонажей его реплики весьма ограничены.
Фильм открывается с закадрового текста, рассказывающего предысторию и ‘восстанавливающего’ события предыдущего фильма – таким образом, он подготавливает почву для развития сюжета, рассказывая нам о Максе и его трагическом прошлом, но нельзя принуждать зрителя сочувствовать персонажу – ему нужно самому увидеть и почувствовать это.
Последовательность действий, следующих за открывающим фильм текстом, показывает нам, что Макс сообразительный и мастеровитый водитель – герой боевика, но всё ещё зрителю нужно что-то большее, чтобы сопереживать ему на протяжении всего фильма. В ход идут классические уловки – оказывается, у Макса есть верный пёс. Однако, очень тихий эпизод, следующий сразу за открывающей сценой, закрепляет ассоциацию зрителя с Максом, когда он открывает дверь брошенного бензовоза и достаёт мелкую музыкальную шкатулку.
Важно, что он не только изучает её, но и заводит, слушая мелодию (почти улыбаясь) и оставляет её себе. Для зрителя это контрастирует с поведением банды “стервятников”, с которой сражается Макс и которую мы только что видели, (не похоже, чтобы они были склонны к сентиментальностям). Таким образом, зритель понимает, что в образе Макса таится что-то больше (что-то таинственное), чем стремление убить или быть убитым.
Более важно, что зритель наблюдает за этим моментом вместе с Максом (тайком), что позволяет создать сильную эмоциональную связь с персонажем. Можно считать, что этот эпизод ‘моментом затишья’ – перерывом в сюжете и темпе повествования, чтобы позволить зрителю провести некоторое время тет-а-тет с героем.


6. “Полуночный ковбой” (1969)

Фильм режиссёра Джона Шлезингера снят по одноимённому роману Джеймса Лео Херлихая показывает нам наивного техасца Джо Бака (Джон Войт), направляющегося в Нью-Йорк, чтобы стать жиголо, обслуживающим богатых женщин. Дела не задаются, но он встречает ‘Ратсо’ Риццо (Дастин Хоффманн), жулика, который (несмотря на то, что они в итоге подружились) быстро обманывает Джо, крадя у того 20 долларов, и посылает его в квартиру чудаковатой религиозной фанатички, а не богатой клиентки, как он ожидал.
В этот момент зритель видит несколько флэшбеков в детство Джо, которые, в том числе, показывают сильно травмирующее его психику крещение. С этого момента в сценарии Уолдо Солта начинается монтажная склейка, в которой сочетаются эмоциональные и тяжёлые флэшбеки в недавнее прошлое Джо (в них показывается изнасилование его бывшей девушкой), в то время как он отчаянно ищет Ратсо на улицах Нью-Йорка.
Эти поиски становятся кошмаром, так как Ратсо постоянно ускользает от Джо, едва появляясь и снова исчезая. В этой монтажной склейке также появляются нереалистичные кадры, на которых Джо руками душит Ратсо.
Такое использование монтажных склеек очень коротких эпизодов, длящихся несколько секунд, даёт зрителю понимание психического состояния Джо (зрителю передаётся тревога Джо), его предыстории и двигает историю вперёд (в чем нет ничего необычного). Урок для сценариста состоит в том, что можно при помощи череды очень коротких изображений сообщить зрителю информацию о персонаже и необходимое настроение.
Для зрителя, который смотрит фильм впервые, может случиться, что некоторые из этих изображения будут фактически флэшфорвардами, повышающими градус напряжения сцены. На этот момент Джо всё ещё одинокий герой, и монтажная склейка призвана сломать этот барьер и позволить зрителю проникнуть в его мысли и чувства.
Этот пример должен напомнить о важности использования монтажных склеек для создания экспозиции, саспенса и наращивания темпа и напряжённости повествования. Монтажная склейка не обязательно должна быть клишированным способом, к которому прибегают для того, чтобы объединить несколько частей эпизода в единое целое.

7. “Феррис Бьюлер берёт выходной” (1986)

‘Жизнь движется довольно быстро, и если ты не остановишься и не оглядишься, ты можешь пропустить её’. Этими словами Ферриса Бьюлера (Мэттью Бродерик) открывается комедия режиссёра и сценариста Джона Хьюза. Можно сразу определить этот тезис как центральную идею фильма. В этой статье недостаточно места, чтобы излагать теорию и структуру истории, но фильм сам по себе представляет собой хороший пример выдержанности структуры, темпа и темы. Сцена в картинной галерее – живое тому свидетельство.
В этой сцене бурное течение сюжета фильма замедляется под соответствующее музыкальное сопровождение (кавер песни “Please , Please , Please Let Me Get What I Want” группы The Smiths в исполнении группы Dream Academy), когда Феррис, Слоун (Миа Сара) и Кэмерон (Алан Рак) бродят по галерее. Монтажная склейка в этом эпизоде разбивает на ряд быстрых моментов, почти неподвижных, которые были бы пропущены, если бы “мы не остановились, чтобы оглядеться” – таким образом, подтверждается основная тема фильма.
Что важно для сценариста, эта сцена происходит почти точно в середине фильма, в важный момент, в который автор книги ‘Герой с тысячью лицами’ Джозеф Кэмпбелл поместил бы так называемую ‘внутреннюю пещеру’ – место, в котором герой должен встретиться со своими ‘худшими страхами’ – в нашем случае, с осознанием, что можно легко пропустить мимо всю жизнь с её прелестями.
Эта центральная точка предоставляет идеальную возможность для сценариста, чтобы сделать повествование более тематическим и символическим. Впечатление от этого приёма усиливается, когда Кэмерон всматривается (камера всё приближается и приближается) в картину “Воскресный день на острове Гранд-Жатт” Жоржа-Пьера Сера, пока зрители не понимают, что он пытается получить удовольствие от мелких точек краски, которые составляют целостную картину – символ деталей жизни, которые так легко упустить.
Центральный момент сценария также позволяет сделать тон фильма более зрелым, возможно, даже рефлективным и более глубоким.
В плане ритма эта сцена даёт зрителю время перевести дух, чтобы подумать (другой пример “момента затишья”) и осознать тему фильма перед резкой сменой обстановки и ускорением темпа для следующей сцены (быстрой и громкой сцене парада). Само собой, эта сцена немного перемещалась по хронометражу ленты во время финального монтажа, но тот факт, что она расположена посередине итоговой версии фильма, ещё раз подчеркивает её важность.
Стоит заметить, что именно Кэмерон больше других столкнётся со своим ‘страхом’ – возможно, хотя и спорно, что он – настоящий главный герой фильма, тот, кто претерпевает изменения, в отличие от Ферриса. В этом случае фильм в целом может служить примером того, как сценарист может использовать приём ‘пассивный протагонист’.



8. “Кес” (1969)

Фильм Кена Лоуча, снятый по роману Барри Хайнса “Пустельга для отрока”, посылает сценаристу простое и ясное сообщение – позвольте зрителю почувствовать ощущение утраты вместе с персонажем. Указания предельно ясны (и прямолинейны) – дайте герою что-то, а потом лишите его этого. Ощущение побега, которое юный Билли Каспер испытывает, тренируя пустельгу по кличке Кес, приглашает зрителя в эмоциональное путешествие вместе с мальчиком, переживая экранные приключения вместе с героем.
Всё это делает финальную сцену фильма, в которой Билли хоронит птицу (убитую его братом) под изгородью, вырывая неказистую могилку обухом топора, особенно опустошающей. В конце зритель остаётся один на один с чувством полной утраты и пустоты, после того, как фильм обрывается. Сказка окончена – пора обратно в суровую реальность.

9. “Все без ума от Мэри” (1997)

Если считать, что комедия – дракон с тремя головами: “гротеск”, “отвратительная правда” и “неловкая ситуация”, то отличным примером может быть сцена про выпускной вечер из комедии “Все без ума от Мэри” (поставленная братьями Фаррелли и написанная совместно с Эдом Дектером и Джоном Дж. Страуссом), в котором ботан Тед звонит своей девушке Мэри, чтобы забрать её из родительского дома, приходит к ней, там отлучается в туалет и застревает из-за одной части тела, зацепившейся за молнию его брюк.
Тед стоит в своём парадном костюме и начинает мочиться, он полностью расслаблен, уносясь в своих мечтах в будущее; мы слышим мелодичный звук песни “Carpenters”, его взгляд ловит двух голубок снаружи окна.
Всё идёт по плану, зрители так же, как и Тед, расслаблены и сопереживают ему, но уже чувствуют, что назревает что-то смешное. Внезапно он замечает через окно свою подружку Мэри, которую торопливо одевает её мать. Тед быстро отводит взгляд, он Мэри с матерью уже успели заметить его. Смутившись, он второпях застёгивает молнию, и случается неизбежное.
На первый взгляд, описанную выше сцену и последующие за ней события можно считать фарсовым гэгом, основанным на одной шутке, как пример “гротеска”. Однако, есть и другая сторона – зрители уже увидели пример неловкой ситуации с Тедом, когда он увидел переодевающуюся Мэри, чтобы вслед за этим увидеть ещё более непристойный инцидент с молнией – таким образом, мы наблюдаем двойной панчлайн. Что важно для этого примера, сцена на этом не заканчивается, впоследствии сочетая три комедийных подхода, чтобы максимизировать потенциал заложенного юмора.
Последующие события оставляют зрителя перед загадкой, как далеко это всё зайдёт, и где закончится череда неловких ситуаций и гэгов.
Во-первых, семья Мэри собирается снаружи туалета – папа, мама и брат. Мама Мэри убеждена, что Тед мастурбирует, что она шёпотом сообщает всем – элемент “отвратительной правды” (то, что не принято говорить вслух), который подхватывает младший брат Мэри, норовящий выкрикнуть эту фразу в самый неподходящий момент при людях, что добавляет неловкости.
Довольно неприятный отец Мэри входит в туалет, чтобы освободить Теда из плена ширинки, и мы снова ощущаем неловкость вместе с Тедом. Отец Мэри отшатывается от того, что видит, снова меняя ожидания зрителя, и безусловно гротескный момент достигает кульминации, когда они видят, в чём дело – “отвратительная правда” смешивается с гротеском.
Сцена становится всё более и более публичной, увеличивая чувство неловкости, когда входит мать Мэри, потом полицейский и пожарный – чем более официальные и “мужественные” фигуры прибывают на место события, тем больше становится чувство неловкости. Ключевой момент для сценариста – помните, что вся эмоциональная неловкость, которую зритель испытывает вместе с Тедом, примерно равна испытываемой им физической боли – сам результат эпизода появляется только в коротком кадре.
Чтобы ещё увеличить неловкость эпизода, к моменту, когда Теда эвакуируют из дома на носилках, посмотреть на это сходятся вся улица (в том числе, его друзья), службы спасения и новостной вертолёт. Довершает унижение Теда то, что санитары “скорой помощи” в спешке роняют его – позволяя зрителю, наконец, расслабиться после быстрого развития событий и, что важно, завершая хорошо скомбинированный парад комедийных приёмов – один плавно перетекает в другой для создания непрерывной смешной сцены.

10. “Безумие” (1972)

Последний фильм в списке многими считается последним хорошим фильмом Хичкока. История, адаптированная Энтони Шэффером и основанная на романе Артура Ле Бёрна, рассказывает об охоте на серийного убийцу, прозванного “галстучным убийцей” (потому что он оставляет галстуки на трупах жертв), душащего женщин в современном (начало 70-х) Лондоне.
Подозрения падают невиновного Ричарда Блэйни (Джон Финч), косвенные доказательства его вины становятся предметом интереса полиции и приводят к его ареста, тогда как зритель скоро узнаёт, что настоящий убийца – друг Блэйни Роберт Раск (Барри Фостер). Для сценариста интерес представляют два фактора, первый из которых – нужно знать, когда заканчивать вашу историю.
В последней сцене Блэйни, ложно осуждённый и знающий, что настоящий убийца – Раск, сбегает из под ареста и пробирается в квартиру Раска, чтобы отомстить ему и восстановить правосудие. Придя туда, он находит не Раска, а тело очередной жертвы. Секундой позже старший инспектор Оксфорд (сам испытывающий сомнения в личности настоящего убийцы) прибывает на место преступления. У Блэйни остаётся совсем мало времени, чтобы доказать свою невиновность, как вдруг Раск возвращается в квартиру без галстука. Финальной репликой фильма становится фраза Оксфорда: “Мистер Раск, на вас нет галстука”.
На этом моменте фильм заканчивается, настоящий убийца найден, и больше ничего не нужно – история рассказана. “Безумие” – триллер, опирающийся на ожидания и напряжение зрителя. Завершение фильм одной или двумя закрывающими сценами будет выглядеть чрезмерным и позволит зрителю успокоиться. Вот так знание жанра может значительно помочь сценаристу.
К этому можно добавить, что дополнительные сцены – побег Блэйни, его будущее, осуждение Раска и объяснение Оксфорда, “как он узнал, кто убийца” – могли бы стать сложными и громоздкими и создать у зрителя ощущение, что ему всё подносят на блюдечке с голубой каёмочкой и, таким образом, растягивают фильм. Сценарист должен понимать требования “жанрового кино”, то есть важно знать и понимать, где следует оборвать повествование.
Второе важный вопрос – насколько много информации нужно сообщить зрителю, чтобы история двигалась вперёд. Хичкок часто говорил о “макгаффине” – необъяснимом механизме сюжета, который заставляет персонажа идти к “цели”. В “Безумии” мотивы убийств Раска неясными, его манера убийства в конце фильма не объясняется – это всё “макгаффины”. Зрителю не нужны эти объяснения, так как сюжет движется в понятном направлении, фокусируясь на борьбе невиновного человека за правосудие и осуждение настоящего убийцы.
Объяснение мотивов Раска и его предыстория могли бы “сбить” темп фильма, возможно, ещё больше запутать зрителя, вызвав у него сочувствие к персонажу (Майкл Кейн отказался от этой роли, сочтя персонажа отвратительным). Также есть опасность (не в этом случае), что расплодится слишком много “макгаффинов”, что подорвёт правдоподобность в остальном хорошего фильмы/сценарий в глазах публики, которая будет задаваться слишком многими “почему”.
Примеры, приведённые ранее в списке, предлагают сценаристу пищу для размышления, но также демонстрируют, что каковы бы ни были “правила” сценарного искусства и каков бы велик не был бы опыт, написание сценариев – это не точная наука. Никакой метод не универсален, всегда нужно учитывать влияние стиля, жанра, предполагаемой аудитории (меняющейся год от года) и бесчисленного количества других факторов.


Автор – Джордж Кромак


Биография автора: Джордж Кромак – преподаватель в университете Халла, а также в филиале университета Ковентри в Скарборо; имея степени бакалавра гуманитарных наук в области сценарного дела, он также преподаёт на вечерних курсах по литературному творчеству, сценарному делу и киноведению в Ассоциации образования рабочих. Работая над кандидатской диссертацией на тему “Ужас в фольклоре”, он страстно любящий своё дело писатель и сценарист. “Холодный зов” – короткометражка, поставленная по сценарию Джорджа, была показана в октябре 2013-го. Подписывайтесь на него в Twitter – @ MadBasil . Развернуть

Премия «Золотая малина» была учреждена Джоном Уилсоном, автором книги
«Все что я знаю, я знаю из кино», в 1980 году. А первое награждение
прошло в 1981 году. Статуэтка в виде пластмассовой ягоды, покрашенной
золотой краской, вручается за самые сомнительные достижения в области
кино. Иногда выбор жюри фонда удивляет, иногда вызывает «попаболь», но
это всегда привлекает к фильмам дополнительное внимание. Некоторые
лауреаты премии даже приходят получить ее лично. Хотя церемония
скромная, идет всего час и сама «Малина» стоит копейки.

Мы отобрали для вас самые «малиновые» фильмы, потому что, не посмотрев
плохое, откуда узнаешь, что такое хорошее?




"Шоугелз" (1996 год)

Кадр: United Artists

Семь наград и тринадцать номинаций. По числу номинаций фильм не
переплюнул еще никто. Но все же история о танцовщице Наоми, которая
приехала покорять Лас-Вегас, а пока танцует стриптиз, имеет не самые
плохие рейтинги и отзывов положительных у нее все же больше, чем
отрицательных. Рейтинг на rottentomatoes 19%.




"Поле битвы: Земля" (2001 год)

Кадр: Warner Bros. Pictures

До 2008 года фантастический боевик с Траволтой и Форестом Уитакером
делил первое место по количеству наград вместе с Шоугелз. У него их тоже
семь, хотя номинаций было только восемь. Взял качеством, так сказать. У
него и зрительские рейтинги ниже плинтуса. Рейтинг на rottentomatoes 3%.




"Я знаю, кто убил меня"
(2008 год)


Кадр: Sony / Columbia

У такого сюжета могло быть много шансов. Еще бы, молодую девушку
похищают, потом она сбегает, но оказавшись в безопасности и среди своих
родных она начинает утверждать, что она не она. Что настоящая Обри все
еще там, а эта, которая здесь – Дакота. И все бы ничего, но Дакота –
персонаж рассказа Обри. И авторы фильма не профакапили. Восемь наград из
девяти номинаций! Зрительские рейтинги чуть выше чем у «Поля битвы», но
все равно на уровне пола. Рейтинг на rottentomatoes 7%.




"Такие разные близнецы"
(2012 год)

Кадр: Sony / Columbia

Десять! Из одиннадцати. Абсолютный рекордсмен по наградам. К семьянину
Джеку на День Благодарения приехала сестра близнец Джилл. И приехала как
будто навсегда. Не самая плохая заготовка для сюжета, могли бы развить.
Но вышел самый провальный провал. Адам Сэндлер в тот год удостоился
Малины и за самую худшую мужскую и за самую худшую женскую роли. Рейтинг
на rottentomatoes 3%. Но в мировом прокате фильм вполне себе окупился.




С наградами мы закончили. Перейдем к номинациям.


"Сумерки. Сага. Рассвет: Часть 2
(2013 год)


Кадр: Lionsgate/Summit

Одиннадцать номинаций, семь призов и попаболь толп фанаток Саги. Ну и
рейтинг на rottentomatoes все же 49%. Кстати, у первой части «Рассвета»
было восемь номинаций, но ни одной награды. Видимо авторам фильма
намекали, но они не поняли.

Фильмы 21-го века которые получили больше чем семь номинаций, после
слэша указано количество полученных призов:

2014. "Одноклассники 2" 9/0

2013. "Папа-досвидос " 8/2

2011. "Повелитель стихий " 9/5

2004. "Джильи " 8/5 (А еще
это худшая комедия за первые 25 лет существования премии)

2003. "Перекрестки " 8/2

2002. "Пошел ты, Фредди " 8/5

2000. "Дикий, дикий Запад " 8/5

Награждение фильмов 2015 года традиционно состоится за день до вручения
"Оскаров" - 27 февраля 2016 года. Развернуть

Экшен-триллер «Охотник-убийца» заполучил в свои ряды Гэри Олдмана, передает Empire Online. Джерард Батлер, собиравшийся сыграть протагониста картины, а затем оставивший проект для съемок в «Падении Олимпа», вновь на борту, а прошлой весной пришли новости о кастинге Билли Боба Торнтона и Коммона.

В ледяных полярных водах американская субмарина шпионит за российской. Обычная военная практика незаметной слежки оборачивается трагедиями для обеих подводных лодок. Сначала американцы наблюдают за тем, как аварийно опускается на дно российское судно, а затем, в попытках оказать помощь, повторяют его судьбу. Атмосфера между правительствами стран-участников загадочного происшествия накаляется, а на помощь соотечественникам уже спешит американский капитан Джо Гласс (Батлер) на субмарине «Толедо». Между делом открывается неожиданная правда — авария была не несчастным случаем, как думали раньше, а абсолютно обдуманным шагом. Более того — лишь первым из запланированных...

Экранизацией романа Firing Point Джорджа Уоллеса и Дона Кита сейчас занята компания Millennium Films, продюсеры Нил Х. Мориц и Тоби Джаффе. За годы препродакшна картина меняла режиссеров (Филлип Нойс, Мартин Кэмпбелл, МакДжи) и локации: в российский приморский город сначала хотели превратить Уиттиер (Аляска), а затем куда более крупный Новый Орлеан. Где в итоге пройдут съемки, пока не сообщается, но начаться, по данным Empire, они должны уже в июле. Если это так, имя постановщика станет известно в самое ближайшее время.



Олдману, которого в этом году можно будет увидеть в драме «Преступник» и сай-фае «Космос между нами», в «Охотнике-убийце» отведена роль американского государственного служащего, занятого разрешением конфликта.

Белла Хиткот, отметившаяся в картинах «Время» и «Мрачные тени», получила роль в продолжении «Пятидесяти оттенков серого». В сиквеле прошлогодней кассовой мелодрамы австралийская актриса сыграет девушку по имени Лейла — бывшую любовницу Кристиана Грея. Джейми Дорнан и Дакота Джонсон вернутся к своим персонажам, а первой в ряду новичков постановки недавно стала Ким Бейсингер.

В ноябре 2015-го Universal объявила, что съемки сиквела и триквела их детища пройдут одновременно и стартуют в начале следующего года. Снимет обе ленты Джеймс Фоули. Дата выхода первой — 9 февраля 2017 года, второй — 8 февраля 2018 года.



Первая игровая киноадаптация манги «Призрак в доспехах» нашла антагониста — персонажа по кличке Смеющийся человек изобразит Майкл Питт. Главную героиню сыграет Скарлетт Йоханссон, а одного из ее напарников — Йохан Филип Асбек.

По сюжету фильма, Мотоко Кусанаги (девушка с кибернетическом телом) и ее коллеги по спецподразделению МВД Японии работают на компанию Hanka Robotics и заняты поимкой хакера-террориста (Питт), поставившего перед собой цель стереть с лица земли созданные компанией технологии.

Снимает кино Руперт Сандерс по сценарию Джонатана Хермана. От Майкла создатели ждут «жестокого, мстительного возмутителя спокойствия с уникальным чувством визуального прекрасного — смесь уличного художника со злодеем бондианы».



Съемки криминального экшена начались на этой неделе в новозеландском Веллингтоне. Увидит свет картина 31 марта 2017 года. Развернуть

Компания Stone Village Productions, специализирующаяся на адаптациях мировых бестселлеров для большого экрана, решила преподнести приятный подарок поклонникам творчества Владимира Набокова. По сообщению The Hollywood Reporter, основатель голливудской студии Скотт Стейндорф приобрел права на экранизацию романа «Смех в темноте».

В 1933 году Набоков опубликовал в издательстве «Современные записки» роман «Камера обскура», главным героем которого был искусствовед Бруно Кречмар, бросивший семью ради 16-летней Магды. В 1936 году книга была издана на английском языке, однако писатель остался разочарован качеством перевода. Два года спустя он предложил на суд зарубежных читателей переработанную версию романа, которая получила название «Смех в темноте».

Как сообщается, пост режиссера фильма предложен итальянцу Габриэле Муччино, попавшему в центр внимания широкого круга зрителей благодаря работе над лентами «В погоне за счастьем» и «Семь жизней». У Stone Village Productions уже имеется на руках готовый сценарий за авторством Брэдли МакМануса и Джастина Паркера, что позволяет боссам кинокомпании наметить начало съемок на май этого года.



В 1969 году «Смех в темноте» стал основой сюжета одноименной драмы Тони Ричардсона, которая заслужила положительные отзывы критиков, но вскоре была изъята из проката. К настоящему моменту лента так и не была издана на видео. В 1986 году Лазло Папас планировал снять новую версию «Смеха в темноте» с Миком Джаггером и Ребеккой Де Морней в главных ролях, однако проект не удалось сдвинуть с мертвой точки.



Пять лет назад знаменитое произведение Набокова легло в основу короткометражки Таисии Решетниковой, роли в которой исполнили Сергей Юшкевич, Евгений Ткачук и Катерина Шпица.

Источник: Развернуть

Любимый многими сегодня жанр триллера может считать своим истоком 20-е
годы прошлого столетия, а своим родоначальником – Альфреда Хичкока. Сын
лавочника из Британии, он начал свой путь в кинематографе на самой заре
киноиндустрии. Немое кино он считал высшим проявлением экранного
искусства на протяжении всей жизни. И секреты жанра он держал в уме в
процессе работы над всеми 53 всемирно известными фильмами.альфред хичкок




Откуда страсть к триллеру?

Все начинается с детства. Особенно комплексы. Трудно было бы утверждать,
что Альфред Хичкок был счастлив в детстве. Из самых ярких детских
воспоминаний – привычка матери ставить его навытяжку перед сном на
несколько часов – за непослушание или любую провинность. Это его
дальнейшая тема страха, незаслуженного обвинения и наказания. немое кино



Или подсмотренная картина, как мать вытаскивала из его
рождественского чулка сладости и перекладывала их в чулки брата и
сестры. Несправедливость и одиночество – еще одна тема фильмов Хичкока.
Известна и шутка отца Альфреда, когда он послал 4-летнего сына с
запиской к полицмейстеру, который прочитал записку и запер мальчика на
несколько часов в тюремной камере со словами: «Так бывает со всеми
непослушными мальчиками». Всю жизнь он потом боялся полиции. Удивительно
ли, что все эти ощущения, эта тьма внутри него перекочевали в его
фильмы, вызывая у зрителей чувство страха и негодования?утраченный
секрет кино



Кино как ступени

По Альфреду Хичкоку можно писать историю мировой киноиндустрии, и
Голливуда в частности. Немое кино, полноэкранное и телевизионное, весь
путь от монохрома к цвету, от черно-белого малого экрана до телевидения
с его новыми возможностями прошел он, и везде заявлял о себе большими
претензиями на мастерство и лидерство. Триумфы и неудачи, хвала и
критика шли рядом, но ничто не мешало ему оставаться самым культовым
режиссером многие десятилетия.хичкок



В чем же секрет?

Сегодня многие умеют держать зрителя в напряжении. Особенно в жанре
фэнтези и триллера. Чаще используются безотказные приемы – побольше
крови, побольше насилия, мистики, страшной музыки… Но Альфред Хичкок,
который и сам любил напустить страху, однажды признался, в чем
утраченный секрет кино. А секрет кроется… в немом кино! Это откровение!
Ведь, если посмотреть, в любом фильме этого режиссера можно отключить
звук – а смысл останется, напряжение в зрительском зале будет не
меньшим, если не большим. черное и белое

Режиссер мыслит не
звуками и словами, у него мышление чисто визуальное, образное.
Восприятие глазами и чувствами – вот в чем Хичкок видел секрет кино, в
этом же был и его мировой успех. Его личность была в каждом кадре.
Кстати, он бывал в кадре и буквально – его любимой фишкой было
засветиться где-нибудь в эпизодической роли, так что зрители могли
неожиданно увидеть лицо режиссера на экране.хичкок


Личность Хичкока сегодня вызывает не меньший интерес у кинокритиков, чем
история его творческого взлета и непроходящего успеха. С его участием и
просто о нем снято множество документальных аналитических фильмов, где
его награждают многими лестными этитетами – «теоретик космонавтики»,
«мастер сжатия и расширения времени». И с каждым эпитетом трудно не
согласиться.

Источник Развернуть

Стиль этого режиссера неповторим.

Стиль знаменитого голливудского режиссера Тима Бертона довольно узнаваем. В каждом из фильмов этого режиссера есть что-то сказочное. Впрочем, в исполнении Тима Бертона сказки обретают решительно новый, необычный и довольно специфический характер. Во всяком случае, добрыми эти сказки назвать сложно.

Есть в них какая-то особенная мистическая атмосфера. Впрочем, возможно, именно эта атмосфера и заставляет людей пересматривать каждую работу Тима Бертона. Художник Андрей Тарусов решил продемонстрировать, как бы выглядели мультфильмы в исполнении этого режиссера.


Он решил перенести его стиль съемки фильмов на изображения героев диснеевских мультфильмов. В итоге получилась действительно необычная и довольно интересная серия работ. Итак, предлагаем вам узнать, как выглядели бы известные персонажи детских мультфильмов, если бы мультипликатором и режиссёром был Тим Бёртон.




101 Далматинец



Дамбо



Алладин



Спящая красавица



Русалочка



Бэмби



Король лев



Красавица и чудовище


Источник: Развернуть

Знаменитости, как ни крути, в первую очередь являются публичными людьми. Они всегда находятся под прицелом фотокамер, каждое их слово ловят толпы репортеров, а фанаты готовы всюду преследовать их по пятам.



Мы предлагаем вашему вниманию двадцать редких снимков из семейных архивов знаменитостей. Здесь они не загримированы и не позируют для фотографов. Но зато на этих снимках они живые и настоящие!



Семейная фотография Михаила Боярского



Маленькая Милла Йовович на руках у своей мамы — Галины Логиновой





Аркадий Райкин листает книгу вместе с сыном Костей



Анатолий Папанов на кухне вместе с женой





Юрий Никулин с супругой на отдыхе




Лидия Федосеева-Шукшина и Василий Шукшин со своими дочерьми Машей и Олей




Евгений Леонов обнимает сынишку




Наталья Варлей и ее сынишка Вася






Савелий Крамаров вместе с дочкой





Николай Караченцов с женой Людмилой и сыном Андреем



http://cdn.fishki.net/upload/post/201602/01/1833312/1_17.jpg
Армен Джигарханян с мамой





Юлия Меньшова с родителями Владимиром Меньшовым и Верой Алентовой







Андрей Миронов на природе с дочерью Машей





Источник: http://fishki.net/1833312-iz-lichnogo-arhiva-20-redkih-snimkov-zvezd-v-semejnom-krugu.html © Fishki.net Развернуть

Звёздный час студии






«У нас в клипе мама — сидевшая. Не долго, но всё-таки это добавляет шарма», — рассказывает продюсер клипа «Экспонат» Дмитрий Муравьёв. В день съёмок сцены с мамой актрису, игравшую эту роль, около метро задержала полиция — за курение в неположенном месте. Работа на площадке встала: «У нас жёсткий график, и ставить маму позже нельзя. Стали звонить в полицию, объяснять, что мы для Шнура снимаем. Обычно это с полицейскими работает, но на этот раз не получилось — как раз тогда у них шла плановая проверка и нужно было 200 человек за день задержать».
Компания Fancy Shot Дмитрия Муравьёва и Петра Бондаренко снимает клипы для Шнура на протяжении последних трёх лет. На момент основания бизнеса Муравьёву было 23 года, а Бондаренко — 20 лет. Первый клип для «Ленинграда» на песню «Сумка» они сняли в 2013 году и тогда уже оказались в центре внимания. Популярными оказались и их клипы для композиций «Вип» и «ЗОЖ», но всё же мемами, как «Экспонат», они не стали. Неделю назад клип собрал больше 20,5 млн просмотров на YouTube, а на момент публикации материала просмотров уже больше 32 млн. Популярностью клипа для продвижения своих продуктов успели воспользоваться многие, включая «Яндекс.Маркет» и организаторов выставки «Ван Гог. Ожившие полотна». «Кажется, что всё это какая-то крупномасштабная кампания, но мы ничего для этого не делали», — уверяет Муравьёв.



Fanсy Shot пока не приносит стабильного дохода своим основателям: в один месяц обороты могут достигать 2 млн рублей, а в другой — равняться нулю. Но молодые люди уверены, что вскоре их компания выйдет на новый уровень и обороты увеличатся до 15 млн рублей. У них есть все основания верить в это — после выхода «Экспоната» они получили десятки новых предложений. «Секрет» рассказывает, как два друга по переписке создали компанию, снимающую клипы с миллионами просмотров.




Фокусы

Петербуржец Дмитрий Муравьёв с детства увлекался фокусами и в 16 лет получал по 20 000 рублей за 20-минутное выступление — это приносило ему почти 100 000 рублей в месяц. «Я знаю, наверное, всех фокусников в России и многих зарубежных. Всё это очень зажатые люди, закрытые и нелюдимые. Фокусы помогают им раскрыться — их можно всем показывать и так выпендриваться», — делится Муравьёв. К 19 годам он устал от фокусов и начал искать новый заработок и в итоге устроился кастинг-директором на шоу — состязание фокусников «Удиви меня» телеканала ТВ-3. Одному из участников проекта понадобилась графическая помощь, за которой он обратился к своему знакомому моушен-дизайнеру из Москвы Петру Бондаренко. Через некоторое время Дмитрий и Пётр добавили друг друга в друзья в «ВКонтакте».
Завязалась переписка. У Муравьёва всегда было много идей, а Бондаренко знал, как их воплотить: «Я придумывал всё подряд, писал Пете: Давай сделаем бар в автобусе, а он мне это рисовал, мы обсуждали. Конечно, никто не собирался открывать бар — мы воспринимали это как разминку для ума. По-моему, это лучше, чем обсуждать, кто сколько выпил вчера».



Дмитрий Муравьёв и Петр Бондаренко

Личная переписка закончилась предложением Бондаренко, всегда мечтавшего заниматься видео, открыть свой продакшен. Первый ролик ребята сняли в Киеве для общего знакомого иллюзиониста Юрия Мончака за $150. Следующий — для знакомого петербургского бармена, участвовавшего в чемпионате мира по барному искусству. В июне 2013 года знакомый Муравьёва скинул ему объявление в «ВКонтакте», в котором заказчик искал людей, готовых срочно снять ему рекламный ролик ресторана. Заказчиком оказался управляющий ресторана «Кококо», принадлежащего Сергею и Матильде Шнуровым.
О том, кому принадлежит ресторан, ребята узнали уже на съёмке. «В один из перерывов мы подошли в курилке к Сергею и разговорились. Петя долго рассказывал про какие-то очки, которые всё выпуклое делают впуклым, Серёжа всё это внимательно выслушал и сказал: «**? Есть же кислота!» («Зачем?» — Прим. «Секрета».) У него обычно один ответ на всё: "**?" — это всегда ставит в тупик», — добавляет Бондаренко. Шнуров решил дать шанс молодому продакшену: у него была идея в качестве клипа для песни «Белуга» сделать видеокараоке. За одну ночь и 30 000 рублей Бондаренко смонтировал первый клип Fancy Shot для «Ленинграда».
За «Белугой» последовала «Сумка» — видео стало хитом и набрало больше 10 млн просмотров на YouTube. Шнуров оказался «приятным заказчиком», выслушивал предложения команды, предлагал свои идеи. Бюджет на «Сумку» составил 750 000 рублей, которых не хватило из-за неправильных расчётов — в результате 150 000 рублей пришлось доложить из своего кармана, но, со слов Муравьёва, это никого не смущало: «Перед нами тогда не стояла задача заработать. Главное, что мы выпустили такую бомбу и заработали славу — это было гораздо важнее».



Музыканты
Приехавший с пиццей курьер замер как вкопанный напротив двери одной из комнат питерской фотостудии. Над дверью висит плакат «Добро пожаловать в боль!», из-за неё раздаются крики: «Ты забыла его? Вспомни, когда вы в последний раз виделись? Ты никогда его больше не увидишь!»
«Я вышел покурить, поэтому упустил момент, когда привезли пиццу. В итоге этот несчастный парнишка так перепугался, что даже деньги забыл взять», — вспоминает Муравьёв. В тот день Fancy Shot снимала свой третий клип для «Ленинграда» — на песню «Плачу». В течение трёх съёмочных дней режиссёр клипа Павелс Фукс заставлял 49 женщин плакать. Для этого он составил анкету каждой девушки, изучил их странички в «ВКонтакте» и нашёл болевые точки: у кого-то умерла собака, кого-то бросила девушка, а кого-то — парень. В комнату с вывеской «Добро пожаловать в боль!» девушки заходили взволнованные, а выходили зарёванные, но счастливые. «Каждый режиссёр должен быть немного психологом», — подытоживает Бондаренко.
Ролик «Плачу» принёс основателям Fancy Shot около 150 000 рублей. Всего бюджет съёмки был не более 800 000 рублей. Сколько стоил «Экспонат» — уже тайна, но ясно, что больше миллиона рублей.


Ролик «Плачу» заметил солист группы «Сплин» Александр Васильев — ему понравились титры с ценой вещей и услуг — и заказал клип на свою песню «Мороз по коже». Случайное знакомство Муравьёва с режиссёром Павлом Сидоровым привело к работе с новой группой: «Мы общались с Пашей, и он признался, что мечтает снять клип группе Браво. Он рассказал идею, и я решил, что надо попробовать». Муравьёв раздобыл номер солиста «Браво» Евгения Хавтана и позвонил ему. В портфолио Fancy Shot на тот момент было всего пять роликов, но этого оказалось достаточно, чтобы получить согласие на съёмку клипа «Лунный свет». «Когда мы все попадём в ад за клипы для Ленинграда, единственное, что нас спасёт, — это то, что мы сняли милый клип группе Браво», — смеётся Муравьёв.
Спустя ещё несколько клипов для «Ленинграда» — «Дорожная», «Карасик», «Мои ***» (мужские половые органы. — Прим. «Секрета»), «Скоро в школу» — и «Сплина» («Помолчим немного») за роликом к Fancy Shot пришёл Мирон Фёдоров (Oxxxymiron).
На выстрелившие музыкальные ролики обратили внимание и рекламные агентства — к Fancy Shot стали обращаться как к подрядчику. Реклама же, а вовсе не клипы, приносит компании основной доход («Заряжать музыкантам рекламные ценники смысла нет»). Второй по величине источник дохода — частные заказы. За три года на рынке их у компании было восемь: посмотрев клипы «Ленинграда», обеспеченные россияне приходят с просьбой снять клип для себя или своих детей. Муравьёв рассказывает, что с этими клиентами работать чаще сложнее, чем со Шнуровым: «Не всегда удаётся объяснить человеку, что снять для его сына клип, как для Ленинграда, не получится, потому что его сын — не Ленинград».

Перспективы
Пётр Бондаренко делится планами — в феврале продакшен будет готов заявить о себе как о креативном агентстве: «Уже сейчас многие клиенты хотят работать с нами напрямую, без агентств. После Нового года бренды активизировались. Потом вышел Экспонат и они вспомнили про нас».
Всего на первой неделе после выхода клипа Fancy Shot получила больше 80 писем с предложениями. Однако продакшен тщательно подходит к выбору заказчиков. С этого года ребята решили не браться за проект с бюджетом меньше 1 млн рублей — во-первых, цены пришлось повысить из-за общей экономической ситуации, а во-вторых, им надоело экономить на съёмках. Кроме того, неблизким компании по духу клиентам тоже отказывают. Со слов Муравьёва, после выхода «Экспоната» за клипом к ним обратился шансон-исполнитель: «Но это явно не наше. Мы тратим своё время на создание роликов и хотим сделать что-то хорошее, а не просто заработать». Зато Fancy Shot договорилась о съёмках клипа для рэпера Макса Коржа.
За прошлые выходные основатели продакшена провели в Москве 24 встречи, большая часть из которых — с представителями разных брендов. Сегодня у компании в работе находится шесть новых проектов и только один с музыкантами. Клипы — не приоритетное направление для Fancy Shot. Ребята хотят сосредоточиться на рекламе и выйти на оборот в 15 млн при двух проектах в месяц. Клипы будут снимать редко, чтобы привлекать новых клиентов: «Клипы смотрят и обсуждают в сотни раз больше людей, чем рекламу. Работа с музыкантами — это возможность показать, на что мы способны. Но фокусироваться на клипах мы не собираемся», — поясняет Бондаренко.
После успеха «Экспоната» Fancy Shot и «Ленинград» поздравили друг друга и вместо того, чтобы отмечать победу над интернетом, начали работать над новым проектом. «Наверное, Серёжа нас так научил — не особо почивать на лаврах. Хорошо получилось, но надо работать дальше», — заключает Муравьёв.
Что говорят эксперты




Андрей Бузина
Основатель рекламного агентства «Сметана»
Мы работали с Fancy Shot — они хорошие ребята. Митя (Дмитрий Муравьёв. — Прим. «Секрета») старается делать качественный продукт, какую бы задачу ему ни поставили. Но очевидно, что причина успеха музыкальных видео Fancy Shot — объединение талантов: без Шнура эти видео остались бы просто хорошими видео, без миллионов просмотров. А хорошие видео в нашей стране снимает не только Fancy Shot.




Андрей Губайдуллин
Основатель рекламного агентства «Восход»
Мы с ними никогда не работали, я их не знаю. Но могу сказать, что в целом рынок довольно консервативен. Мы, например, работаем только с тремя-четырьмя продакшенами, которым доверяем. Снимать рекламу не так просто, как кажется. В музыкальных видео у вас один заказчик — музыкант и его продюсер. В рекламе есть клиент со своими желаниями и агентство с огромными креативными тараканами в голове — удовлетворять приходится и тех и других.
Фотография на обложке: Fancy Shot


Источник:
Фотография: Глеб Леонов/«Секрет Фирмы» Развернуть

Лицензия на бренд озолотила всех, кто её получил




«Маша и Медведь» — российский мультфильм, который обрёл мировую славу. По данным компании Kidz Global, в Индонезии его знают 95% детей, в Италии — 88%. Сервис Netflix называет мультфильм «русским феноменом». В феврале 2015 года студия «Анимаккорд», создатель «Маши и Медведя», получила награду за лучший анимационный сериал на саммите детского развлекательного телевидения Kidscreen в Майами. В 2015 году выручка производителей от продажи товаров по лицензии «Анимаккорда» под брендами «Маши и Медведя» составила $225 млн. В 2016 году управляющий директор компании Дмитрий Ловейко планирует увеличить её на 25% за счёт зарубежных партнёров. «Секрет» рассказывает, как небольшая компания вошла в десятку лучших мировых анимационных студий и продолжает завоёвывать рынки.
Прорыв
Когда фотограф «Секрета» передал гендиректору студии Дмитрию Ловейко плюшевого медведя, чтобы сделать снимок, тот возмутился: «Зачем я держу медведя?» — и посадил его на пол. «Почему фотографы всегда хотят обложить меня медведями и Машами, я к ним отношения не имею. Этим я обижаю художников — они всё создали и нарисовали». В разговорах с журналистами он тоже говорит, что невольно стал публичным лицом, он всего лишь менеджер, а успех мультфильма — заслуга креативной команды. В «Анимаккорде» работает 120 человек, из них 70 — мультипликаторы.
За семь лет «Маша и Медведь» стал одним из самых узнаваемых и ярких российских брендов за пределами страны, его показывают более чем в ста странах мира, мультфильм переведён на 25 языков. Игрушечную Машу можно встретить, например, в крупнейшей испанской сети гипермаркетов El Corte Inglés, шестиминутные мультфильмы крутят не только по европейским телеканалам, их показывают даже в кинотеатрах — «Маша» попала в топ-10 фильмов рождественского проката в Италии. «Зрители голосуют кошельком, покупая новые серии, сувенирку, и мотивируют бизнесменов приобретать лицензии. Строить прибыльные бизнесы и рисовать мультфильмы — это совсем не одно и то же», — говорит управляющий партнёр брендингового агентства Depot WPF. Ловейко зря скромничает, сильный бренд построил именно он.
Почему «Маша и Медведь» пользуется успехом в странах с разной культурой? Во-первых, сюжет понятен и близок и детям, и родителям, каждый эпизод — это история о взаимодействии ребёнка со взрослым. «Маша и Медведь продолжают архетипические отношения героев русской сказки, при этом чрезмерная проказливость Маши находится в полном соответствии с современным ребёнком. Героев всего двое, и они очень яркие — это сильная сторона бренда. Кроме того, герои находятся в интересном конфликте. Всё внимание фокусируется на них», — отмечает генеральный директор BBDO Branding Ольга Коновалова.
Во-вторых, мультфильм длится семь минут — дети не устают. Усидеть перед экраном больше десяти минут им бывает сложно. Мультфильм «Алиса знает, что делать» длится 26 минут, продюсеры специально разрезают его и по частям выкладывают на YouTube.
Следующим фактором успеха Ловейко считает «гэговость» — как «Том и Джерри» или «Ну, погоди!», «Маша и Медведь» — это серия нелепых ситуаций, смешных ужимок и фокусов. Отсутствие долгих диалогов делает Машу подходящей любому возрасту и понятной жителям разных стран. «В диалогах вы чётко обозначаете аудиторию, а в детском контенте она очень разная — до трёх лет, от трёх до семи, от семи до девяти. Поэтому, например, Лунтик работает в узком сегменте, — объясняет Ловейко — Гэги всем интересны, но их очень сложно делать — нужно удерживать ритм, важна мимика и т. д.». Кроме того, многим запомнился голос Маши, которую озвучивала Алина Кукушкина.




История «Маши и Медведя» началась в 1996 году: художник, оператор и режиссёр Олег Кузовков отдыхал в Крыму и увидел девочку на пляже, вот, как он вспоминает об этом в старом интервью: «Ребёнок — просто вождь краснокожих: кто-то, например, курицу ест, она подошла, тоже поела без спросу. Через два дня люди на пляже от неё заплывали за буйки, зарывались в гальку, притворялись мёртвыми. Но она мёртвых поднимала, зарывшихся из гальки выкапывала, а из-за буйков сами приплывали». Он написал сценарий мультфильма, но не представлял, где найти деньги на проект — в 90-х мультипликацию не поддерживало ни государство, ни частные лица. Через десять лет вместе с коллегой Андреем Добруновым (с 2014-го возглавляет студию «Союзмультфильм») Кузовков нашёл инвестора, им стал бизнесмен Сергей Кузьмин. Кто он и чем занимается кроме студии, в «Анимаккорде» не рассказывают. Сейчас Кузьмину, согласно базе «СПАРК-Интерфакс», принадлежит 80% компании. Вместе с ним в компанию пришёл Ловейко, однокурсник Кузьмина в Новосибирском государственном университете. Раньше Ловейко работал коммерческим директором в нескольких компаниях в пищевой промышленности в Новосибирске, а затем — директором по развитию авиакомпании НПО «Взлёт» в Москве. Он начал выстраивать бизнес-процессы «Анимаккорда».
Первые две серии «Маши и Медведя» делали год, они появилась в программе «Спокойной ночи, малыши!» на телеканале «Россия» в самом конце 2009-го. Премьеры других популярных российских мультсериалов — «Лунтика» (2006) и «Смешариков» (2004) тоже состоялись в этой передаче. На «Спокойной ночи, малыши!» «Анимаккорд» делала ставку изначально, в том числе поэтому каждая серия длилась шесть минут. ВГТРК быстро согласилась пустить «Машу» в эфир. По словам Ловейко, первые несколько серий подняли рейтинг передачи в полтора раза.




Хотя в российских соцсетях родители жалуются, что Маша учит детей капризничать, мультик смотрят миллионы. В 2012 году серия «Большая стирка» возглавила рейтинг русскоязычного сегмента YouTube, за десять месяцев её посмотрели 36,5 млн раз. С тех пор «Маша» бьёт рекорды — в 2015 году одна из серий собрала миллиард просмотров, став самым популярным русскоязычным видео на YouTube. В 2012-м «Анимаккорд» выпустила новый «добрый проект» — «Машины сказки»: Маша пересказывает сюжеты русских народных сказок. Спустя ещё два года студия прикинула, что дети, начавшие смотреть мультфильм в 2008 году, повзрослели и теперь любят страшилки. Они сделали ещё один спин-офф — «Машкины страшилки».
Ловейко называет свою компанию неформальной. «Анимаккорд» за сезон выдавала всего восемь серий (60 минут), тогда как формат телеканалов — 26 (182 минуты). «В первый год мы сделали две серии, во второй — четыре, зато они были такого качества, что их сразу полюбили» — производство первых эпизодов обошлось компании в $3 млн. Телеканалы помогли сформировать лояльную аудиторию, однако как важный источник заработка «Анимаккорд» их никогда не рассматривала. С 2012 года все серии мультфильма можно смотреть бесплатно на официальном канале YouTube.
Зарабатывает «Анимаккорд» в первую очередь на продаже лицензий: около 60% выручки приносит это направление, ещё 40% — на самом контенте (продажа прав на показ мультфильмов, рекламные отчисления, в том числе реклама на YouTube). 40% выручки компании при этом уже приходит из-за рубежа — это отчисления иностранных лицензиатов и реклама на YouTube-каналах в разных странах. Видов лицензий много, можно «использовать охраняемые составные части сложного произведения» — персонажей, музыку, локации и другие — для производства продуктов и оказания услуг. С 2009 года лицензии приобрели больше 150 компаний по всему миру. Среди них: Danone, Ferrero, Perfetti van Melle, производители игрушек Simba Dickie Group и Ravensburger, канцтоваров Crayola и другие. Пока большую часть денег «Маше и Медведю» приносят лицензиаты в России, но в компании считают, что уже в этом году Италия сможет генерировать сопоставимый доход. В среднем от продажи каждой лицензии студия получает роялти в размере 10%, но цифра зависит от сегмента.
Схожим образом зарабатывают и «Машины» конкуренты из России, и гиганты вроде Disney и Marvel. В 2012-м «Анимаккорд» уступала по объёмам продаж лицензий «Смешарикам», но к 2014-му «Маша» догнала их. По словам создателя бренда «Смешарики» Ильи Попова, выручка его компании сопоставима с отчислениями, которые получает Маша: «Год на год не приходится, в некоторых категориях мы выигрываем».


Дмитрий Ловейко
Фотография: Павел Александров/«Секрет Фирмы»


Поддержка бренда и контроль
«Вы работаете на формирование фанатов и лояльной аудитории, а деньги получаете с бизнеса, который использует эту же группу для реализации своих продуктов», — объясняет Ловейко.
Для фанатов мультфильма есть страницы в Facebook (4,2 млн подписчиков), «ВКонтакте» (331 650 подписчиков), Instagram (48,9 млн подписчиков) и «Одноклассниках» (219 490 подписчиков). В «ВКонтакте», помимо официальной страницы, поиск выдаёт 9000 неофициальных. В компании следят за тем, чтобы каждый день в соцсетях появлялось пять оригинальных сообщений: рисунков, открыток, советов и других постов, которые пользователи захотят лайкнуть и расшарить.
«Анимаккорд» тщательно выбирает партнёров для выпуска продуктов под брендом мультфильма. «Чтобы мир ваших персонажей существовал долго, вы должны контролировать и продукты тоже», — продолжает Ловейко. Вселенная Маши и Медведя давно не ограничивается мультиком, «Анимаккорд» с партнёрами занимается выпуском игр, журналов и книг. В 2012 году вышло 335 разных книжек о Маше: «Это от 3,5% до 5% российского рынка детских книг. Перенасыщение не очень хорошо», — говорит Ловейко.
От каких-то предложений компания отказывается, даже если они могут принести прибыль. Например, Ловейко против «кукол-повторюх»: «Чтобы люди всякую гадость говорили, а потом выкладывали в интернет это с Машиным голосом, — нам это нафиг не надо». Ещё одно табу — сотрудничество с производителями дешёвых товаров низкого качества, например футболок, — в краткосрочной перспективе на этом можно заработать, но в конце концов получится больше негатива.
Ловейко предпочитает работать с крупными игроками. Многие предлагали ему производить шоколад под маркой «Маша и Медведь», но менеджер ждал, пока бренд приглянется концерну Ferrero. Итальянский производитель сладостей мог не заинтересоваться «Машей», если бы репутация бренда была подмочена выпуском некачественных конфет. В 2014-м Ferrero продал в России 37 млн батончиков и шоколадных яиц с фигурками Маши и Медведя.
Защищая своих героев и бренды, «Анимаккорд» борется с пиратами и контрафактом, в 2014-м правовая группа, нанятая компанией, участвовала в 3000 судебных дел. Отбиваться есть от кого: 2012 году, когда DVD ещё активно покупали, компания продала миллион дисков с мультфильмами, а пираты, по подсчётам «Анимаккорда», — в четыре раза больше. Сейчас на AliExpress предлагается больше 1000 неофициальных товаров по запросу «игрушки маша и медведь».
Выход за границу
«Маша и Медведь» — первый российский мультфильм, ставший популярным на Западе. «Смешарики» тоже развиваются за рубежом, но они пришлись по душе китайским зрителям и сфокусировались на этом рынке.
Ловейко говорит, что договариваться с иностранными телеканалами о показе «Маши» было не так уж сложно. Они только ждали, пока будет больше материала — хотя бы один сезон из 26 серий. Первыми мультфильм показали французы на Canal+, они согласились взять 13 серий, но эффект появился не сразу.
В 2015-м итальянская газета La Stampa написала, что в Италии «Машу и Медведя» любят больше, чем мировую знаменитость «Свинку Пеппу». Журналисты предположили: итальянские дети имеют куда больше общего с девочкой, чем со свинкой. Кроме того, в отличие от российских родителей, итальянцы находят мультик добрым и поучительным. «Мультик полезен детям именно потому, что там подчёркивается могущество ребёнка в его нарциссической фазе развития. И если эту фазу (иллюзии собственного могущества) не дать ребёнку с наслаждением прожить (как самозабвенно это делает Маша), то во взрослую жизнь выйдет унылый депрессивный взрослый с хроническим чувством собственного бессилия», — считает психолог Юлия Бурлакова. Итальянский детский телеканал Rai YoYo показывает «Машу» по десять раз в день, и рейтинги не снижаются. «Мы с Машей побили все рекорды. 800 000 зрителей одновременно! Ни один мультик так не смотрят», — рад директор канала Массимо Лиофреди.
















Кроме итальянского RAi права на показ сериала принадлежат американскому Cartoon Network, английскому Cartoonito, немецким KiKa и Sony Music, французским France 5 и NBC Universal, испанской Panda и другим каналам. На YouTube мультфильм посмотрели больше 6 млрд раз. Он опережает показатели конкурентов из Nickelodeon и Disney. Bloomberg Businessweek приводил данные исследователей Social Blade, которые оценивают ежемесячную рекламную выручку мультфильма на YouTube в $1,5 млн (сейчас один просмотр приносит 50 центов, до кризиса приносил $1).
Одна из проблем, с которой пришлось столкнуться при выходе за границу, — дубляж. На английский язык команда переводила мультфильм в Лос-Анджелесе, кроме перевода, меняли все надписи в мультфильме, чтобы для ребёнка он был «как родной». Немецкий канал KiKa получил права на «Машу» при условии, что сам переведёт сериал. Ловейко считает, что дубляж вышел плохим, и, когда Sony попросила права на выпуск DVD в Германии, настоял на новом переводе. «Анимаккорд» дублировала «Машу» ещё раз самостоятельно.
Ловейко может долго обсуждать тонкости адаптации мультфильма для разных стран. Например, рассказывать, как партнёры из ОАЭ попросили вырезать из серии несколько сцен с участием Свинки Розочки по религиозным соображениям или рассуждать, чем материковый китайский язык отличается от китайского на Тайване. В августе на Тайване закончился первый сезон и прошёл праздник «Маши и Медведя». Сейчас компания планирует запускать показ сериала в Китае. «Кто будет отвечать на вопросы китайских детей в китайских соцсетях, вываливать туда открытки с Машей? Наши китайские партнёры, поэтому договариваться надо очень обстоятельно», — говорит Ловейко. Бывают случаи, связанные с особенностями разных стран.
При выходе на зарубежные рынки едва ли не самое важное — найти партнёра, который останется надолго и будет относиться к бренду как к своему собственному. У «Анимаккорда» нет внутренних специалистов не только по Китаю, но и по Португалии, Франции и другим рынкам, полагаться приходится на местных представителей.
Ловейко рассказывает, что российские аниматоры теперь спрашивают у него совета, как покорить Европу. «На Западе бизнес привык работать с крупными структурами вроде Disney или Dreamworks, там много правил: выпускать стайлгайды два раза в год, регистрировать товарные знаки и т. д. Нельзя прийти с DVD и сказать: смотрите, какой хороший мультфильм. Но мы этого всего не знали, рассказать было некому», — говорит он.
Один из уроков такой: первое предложение никогда не бывает хорошим. Нужно ждать, пока схлынет волна тех, кто хочет нажиться на быстрорастущем бренде. Потом придут серьёзные компании. За право производить продукты под брендом «Маши» борются теперь компании со всего мира, но Ловейко разборчив. Чтобы продавать игрушки в Индонезии, где мультфильм хорошо знают, не нужен контракт с местным производителем, спрос закрывают уже существующие производители в России и Германии, которым Ловейко доверяет.
Большинство маркетинговых усилий «Анимаккорд» направляет на зарубежные рынки — за рекламу и продвижение платит в валюте, а контент производит за рубли. Основную выручку компания тоже зарабатывает в рублях, но скоро ситуация может измениться.

[video]https://youtu.be/3phwIJStlsA[/video]

В ближайшее время активная работа предстоит в США. Кроме московского, у «Анимаккорда» есть офис в Майами, который помогает продвигать мультфильм в Штатах и Латинской Америке. В июле прошлого года авторитетный американский журнал Animation Magazine включил «Машу» в рейтинг «Топ-250 телешоу, которым суждено стать классикой». В августе мультфильм взял в свой каталог онлайн-кинотеатр Netflix. «Мы храним на сервисе лучшие программы со всего мира, это касается и детских программ, и нам очень нравится Маша и Медведь», — сказали «Секрету» в пресс-службе Netflix. Место в рейтинге и интерес Netflix означают, что у сериала есть перспективы в Штатах.
В сентябре 2015 года газета «Известия» написала, что из-за недостатка финансирования «Маша и Медведь» закрывается. Ловейко быстро опроверг сенсацию. Но стена Ловейко в «ВКонтакте» всё равно успела превратиться в Стену Плача — поклонники требовали вернуть «Машу и Медведя». Третий сезон мультсериала должен появиться в середине 2018 года. Одна из серий «В гостях у сказки» уже доступна на YouTube, следующие студия планирует выпускать раз в полтора-два месяца. Зарубежные каналы ждут готового сезона. Долгое ожидание только подогревает интерес к российскому феномену.




Илья Попов
Основатель Riki Group («Смешарики»)
Причина успеха «Маши и Медведя» — это, с одной стороны, талант Олега Кузовкова, с другой — эффективный менеджмент Дмитрия Ловейко. С точки зрения контента здесь сработало качество проекта, он был рискованным с точки зрения бизнеса — мультфильм создавался с очень высоким производственным бюджетом. В итоге сработал эффект, когда качество экономит деньги.
Если говорить о содержательной части, то это гэговый мультфильм, у которого ближайшие аналоги — «Том и Джерри» и «Ну, погоди», этот формат изначально универсальный. Но в этом мультфильме, мне кажется, больше смысла. Как показал результат, во многих странах люди понимают юмор даже без перевода, это очень хорошо работает.
Когда студия размещала «Машу» в открытом доступе на YouTube, мы получали большой доход от DVD, но потом тоже стали зарабатывать больше в интернете. Сейчас с точки зрения общих доходов мы близки друг к другу. В каких-то категориях объём продаж больше у «Смешариков», в каких-то — у «Маши».
Если сравнивать эти два мультфильма, то «Маша» стала эффективнее работать за рубежом благодаря формату, который не требует сложного перевода, а «Смешарики» создавались изначально для русскоязычной аудитории. В некоторых странах мы смогли сделать перевод, но какие-то серии остаются близки только русскому зрителю, их невозможно донести до зарубежной аудитории. Юмор «Маши» более универсальный.




Алексей Андреев
Управляющий партнёр брендингового агентства Depot WPF (среди клиентов: Nestle, Unilever, Xerox и другие компании)
Создатели продукта явно не ограничивали себя категорией «мультфильм». Речь с самого начала шла о формировании серьёзного коммерческого бренда. Долгосрочная стратегия, анализ целевой аудитории, позиционирование, креатив и бренд-бук — это надёжные инструменты для превращения милых персонажей в машину по зарабатыванию денег. Это чистый маркетинг, стремящийся охватить как можно больше точек контакта с потребителем. И здесь мы повсюду видим грамотное применение зарубежных бренд-технологий.
Российский бэкграунд, национальный колорит, одежда, имена и при этом близкие и понятные всему миру истории. Жизнь главных героев — это зеркало отношений между женщиной и мужчиной, родителями и детьми, слабыми и сильными. Использован беспроигрышный контекст «вероломная истеричка и благодушный дурачок», найдены исключительно универсальные визуальные образы и коды, персонажи вызывают симпатию. Если добавить сюда единую сюжетную линию, хороший саундтрек и ровные по качеству серии, то мы получим отличный, пригодный для всемирного тиражирования продукт.
Судите сами: это нравится взрослым и детям, не имеет жёсткой привязки к культуре, традициям и географии. Массовый зритель не уделяет пристального внимания деталям, ему достаточно общего ощущения качественного мультфильма. А это качество складывается из тысячи мелочей, которые разительно отличают этот бренд от других мультиков. Профессиональному глазу видно, что рисованные герои в точности соответствуют гайдлайнам и во всех сериях аналогичны. Маша, например, может улыбаться только так и эдак — и никак иначе. У Медведя столько-то пальцев на лапах и улыбка сверкает только с определённых ракурсов. По каждому из характеров написана целая конституция, где учтены все «можно — нельзя»! Это внутренние законы ремесла, которые неукоснительно соблюдаются в том же Disney и, как правило, совершенно игнорируются у нас. Отсюда и такая фантастическая разница в результатах, попадающих на широкие экраны.


Источник Развернуть

Студия The Mill, автор спецэффектов этого завораживающего клипа, показала, как видео создавалось. Звезда фильма "Из машины" постепенно превращалась в нем в модель человека, как будто напечатанную на 3D-принтере. Сумасшедший труд и результат.

[video]Студия The Mill, автор спецэффектов этого завораживающего клипа, показала, как видео создавалось. Звезда фильма "Из машины" постепенно превращалась в нем в модель человека, как будто напечатанную на 3D-принтере. Сумасшедший труд и результат.[/video] Развернуть

Развернуть